Die Filmseite: Archiv 2004

(js 2/04) In der Übersetzung geht oft Wesentliches verloren. Das gilt für hohe Literatur, für synchronisiertes Kino und irgendwie schon für die Teletubbies. Ganz verlustreich wird es, wenn nicht nur die Sprache, sondern ein ganzer Kulturkreis übersetzt wird. Dass solche Übersetzungen eigentlich vollkommen unmöglich sind und gerade deshalb als Grundlage für einen großartigen Film dienen können, beweist Sofia Coppola, Tochter von Francis und Cousine von Nicolas Cage, mit ihrer zweiten Regiearbeit.

Bob (zu Recht oscarnominiert: Bill Murray) ist ein US-Film- und Fernsehstar, der es vielen seiner Kollegen gleich macht und sich im fernen Japan für Whiskey-Werbung ordentlich bezahlen lässt. In der 30-Millionen-Metropole Tokio angekommen, beginnt gleich der Kulturschock für den Amerikaner. Kleine Menschen, freundliche Gesichter, fremde Zungen und ein mörderischer Jetlag... Bob versteht die bonbonfarbene Welt um ihn herum in keinster Weise, und diese Welt versteht ihn nicht. Irritiert von den Japanern, von Schlaflosigkeit geplagt immer wieder von erschreckend nüchternen Telefonaten mit seiner Frau gestört, lungert

Bob in der Hotelbar herum, betrinkt sich und trägt die wohl deutlichste Midlife-Crisis des Kinojahrs zur Schau. Geld hat er, Erfolg wohl auch. Nur glücklich ist er nicht einmal in Ansätzen.

Noch so ein Fall ist Charlotte (Scarlett Johannson), die junge Gattin eines hippen Szenefotografen. Sie hat ihrem Mann nach Tokio begleitet, und lungert sowohl tagsüber als auch nachts allein inmitten des Stadtmolochs herum. Sie hasst Japan, st vollkommen "Lost in Translation". Als Charlotte auf den doppelt so alten Bob trifft, hat sie endlich einen Partner gefunden, mit dem auch sie Tokio einigermaßen genießen kann. So weit man Tokio eben genießen kann, versteht sich.

Das ist der simple Plot, doch mehr Stoff braucht der Film beim besten Willen nicht. Sofia Coppolas Hauptfiguren könne sich vor dieser Folie grandios entfalten. Der Kulturschock zwischen Japan und den USA bietet Platz sowohl für herrliche Komik als auch für eine durchaus kritische Betrachtung beider Nationen. Die Asiaten bekommen ihr Fett weg. "Wir" (also nicht nur die US-Amerikaner sondern gleich noch das Kinopublikum der westlichen Welt) schütteln im Gleichschritt unsere langnasigen Köpfe, wenn sie aufgeregt in schier unerträgliche Spielhöllen hüpfen und mit nach wie vor ungebrochener Begeisterung in ihre Karaokemaschinen jaulen. Und in der nächsten Szene hält "uns" der Film einen unangenehmen Spiegel vor unsere lange Nase: Oberflächlichkeit, kranke Psychotherapien und wahnwitzige Wertvorstellungen scheinen unseren Horizont zu definieren...

Und dann ist da noch die Beziehung zwischen dem frustrierten Familienvater Bob und der einsamen jungen Ehefrau Charlotte. Sie trösten und helfen sich gegenseitig in ihrer Verlorenheit und kommen sich dabei durchaus näher. Sehr nah sogar, aber niemals - und in einem durchschnittlichen Film sähe das ganz anders aus - überschreiten sie Grenzen. In langen Standbildern zelebriert die Regisseurin ihre beiden (Anti-)Helden und dreht dem teilweise so lauten Film den Ton ab. Solche Momente kann man einfach nur genießen, eine Beschreibung fällt mir schwer und würde wieder beweisen, wie viel in Übersetzungen verloren gehen kann. Eins steht allemal fest: Besser als mit "Lost in Translation" hätte das Filmjahr kaum anfangen können. Alles Gute bei den Oscars! 1

(js 2/05) Ungepflegt und gammelig liegt Mysteryautor Mort Rainey (Johnny Depp) auf dem vollgekrümelten Sofa seines Ferienhauses am See. Er hat sich dem Müßiggang verschrieben, pennt den ganzen Tag und hat die allseits gefürchtete Schreibblockade. Bis es plötzlich an der Tür klopft. Ein fremder Mann mit Hut und finsterer Miene steht auf der Hausschwelle und wirft dem verdutzten Schreiber Plagiarismus vor. "You stole my story", behauptet dieser John Shooter (John Turturro) in breitestem Südstaatenslang und überreicht dem Zausel ein Manuskript der Kurzgeschichte "Secret Window". Die ähnelt durchaus einer der vor Jahren veröffentlichten Storys aus Mort Raineys Feder, und zwar bis aufs Wort. Alles nur geklaut? Ja, aber wer bei wem?

Shooter bleibt bei seiner Meinung: Er ist der Urheber dieser kruden Geschichte um einen Frauenmord. Und so lange Mort das nicht beweisen kann, macht er Terror. Der Hund ist als erster dran und bekommt einen Schraubenzieher in den Kopf gerammt. Er wird nicht der einzige bleiben. Dann wird das Haus der Raineys abgefackelt, in der die Fast-Exfrau (Maria Bello) mit ihrem neuen Lover (Timothy Hutton) logiert. Der Fremde aus dem fernen Mississippi beliebt nicht zu scherzen - er will, dass seine Geschichte nach seinem Geschmack zu Ende erzählt wird. Und der ist blutrünstig.

"Secret Window" basiert auf der Kurzgeschichte "Secret Window, Secret Garden" von Amerikas Horrormeister Stephen King. Der hat zwar den Zenit seiner Karriere längst überschritten, produziert und verkauft aber noch immer in beneidenswerter Auflage. David Koepp, zuletzt Drehbuchschreiber bei David Pinchers "Panic Room", hat nun selbst auf dem Regiestuhl Platz genommen und einen soliden Horrorfilm geschaffen. Mit Johnny Depp hat er natürlich eine sichere Bank an seiner Seite. Der charmante Schussel muss den Film über weite Strecken allein tragen und spult dabei mal wieder souverän sein Können ab. Was die Geschichte angeht, so ist Koepp King mächtig auf den Leim gegangen. Alle Zutaten, die "Secret Window" so spannend und gruselig machen, hatten wir schon (mindestens) einmal. Alles nur geklaut? Jawohl! Und hier hat King sich einen seiner Lieblingsautoren vorgenommen: sich selbst. Da muss er eben keine Angst vor Plagiatsvorwürfen und Besuchen entzürnter Autorenkollegen haben. Viele Motive erinnern stark an die früheren und bereits verfilmten King-Romane "The Shining" und "The Dark Half". Die Verfilmung des ersten (Stanley Kubrick, 1980) dient ebenfalls gerne und keineswegs subtil als Vorlage für die Inszenierung - was damals REDRUM war, lautet diesmal SHOOT (H)ER. Aus "The Dark Half" (George A. Romero, 1993) wurde immerhin George-Stark-Darsteller Timothy Hutton reaktiviert. Das Ergebnis dieser düsteren Eigenbluttherapie eignet sich durchaus für einen gepflegten Horror-Videoabend.

Für einen Film aber, der immer wieder darauf herumreitet, dass das perfekte Ende das wichtigste an einer Geschichte ist, kommt das Finale dann doch etwas ernüchternd daher. Aber besser einigermaßen gut geklaut, als unheimlich schlecht selbst erfunden. 3

„Manchmal kommen Sie wieder“. Nachdem die Untoten in den 80er und 90er Jahren ihre hirnlose Existenz eher in den Schmuddelecken der Videotheken fristeten, feierten sie in letzter Zeit, beginnend mit „Resident Evil“ und Danny Boyles „28 Days Later“, ihr erfolgreiches Comeback auf der großen Leinwand. Seitdem stöhnen, ächzen und knabbern sie sich wieder durch die Kinosäle und verbreiten dort als instinktgesteuerte Menschenfresser wieder Angst und Schrecken. Nachdem 2004 mit dem „Dawn of the Dead“-Remake schon ein Film Zombie-Großmeister George A. Romero („Night of the Living Dead“, „Day of the Dead“) Tribut zollte, humpelt jetzt mit „Shaun of the Dead“ ein weiteres Stück über die Nicht-so-ganz-Verblichenen ins Kino: Haupt- und Titelfigur Shaun (Simon Pegg) lebt in Nord-London, ist Ende zwanzig, arbeitet als Verkäufer in einem TV-Laden und scheint kein richtiges Ziel im Leben zu haben. Eigentlich ist er aber ganz zufrieden. Hat eine kuschelige Stammkneipe, lebt mit seinem besten Freund Ed (Nick Frost) in einer kleinen WG-Bude und – wenn die beiden nicht gerade mit ihrer Playstation auf Monsterhatz sind – trifft er sich mit Freundin Liz (Kate Ashfield). Die verlangt jedoch ein klein wenig mehr vom Leben – und von ihrem Freund. Doch der Tag, an dem sie schließlich ihre oft ausgesprochene Drohung wahr macht und sich von Shaun trennt – wird zum „Tag der lebenden Toten“. In London breitet sich zur selben Zeit nämlich eine seltsame Seuche aus: Alle Menschen, die sterben, erheben sich

kurze Zeit später wieder, um in Gier nach lebendigem Fleisch und Blut, die Lebenden zu verfolgen und zu beißen. Als es immer mehr werden, beschließen Shaun und Ed schließlich aus ihrer Lethargie auszubrechen und tauschen die Gamepads der Spielekonsole gegen Axt und Schrotflinte ein. Immerhin steht auch Liz' Leben auf dem Spiel. Klare Sache: „Shaun of the Dead“ ist eine Persiflage der klassischen Zombie-Filme. Doch wer von dem Streich des hierzulande vollkommen unbekannten Comedy-Duos Simon Pegg & Edgar Wright ähnliches erwartet wie von Filmen der Marke „Scary Movie“, „Zucker-Abrahams-Zucker“, oder – Gott bewahre – „Periode 1“, der sieht sich schnell getäuscht. „Shaun“ ist in erster Linie eine clevere, handwerklich einwandfreie und erstaunlich innovative Hommage an das Genre und gleicht in dieser Hinsicht eher John Landis’ „An American Werewolf in London“, Robert Rodriguez’ „From Dusk Till Dawn“, oder teilweise sogar Peter Jacksons „Braindead“. Denn bei allem Humor – und davon hat der Film mehr als genug – bleibt „Shaun of the Dead“ seinem Genre mehr als treu. Neben den zahlreichen, durchweg gelungenen Gags (sei es nun Slapstick oder Sprachwitz) und den sympathischen Protagonisten, wird hier nämlich auch nicht mit der adäquaten Menge an Horror, Blut und Gedärmen gespart. Darüber hinaus verteilt „Shaun“ natürlich auch die – dem Zombiefilm seit jeher innewohnende – Sozialkritik. Gepaart mit der britischen Selbstverständlichkeit des knochentrockenen Humors läuft „SotD“ dabei zur Hochform auf und verdient das (von mir eigentlich gehasste) Prädikat „Kultfilm“ allemal. 2+

(Die Bewertung bezieht sich auf das englischsprachige Original. Für die deutsche Synchronisation übernimmt der Rezensent keine Haftung.)

Immer wieder versucht sich das Hollywood-Kino an der Wiederbelebung längst verstorbener Filmgenres. Wellenweise kommen sie daher, funktionieren eine Zeit lang recht ordentlich, und werden schleunigst von der nächsten Welle überrollt. Seit dem oscargekrötenten "Gladiator" haben wir nun auch wieder den guten alten Sandalenfilm auf den Spielplänen der Kinos. Ob wir nun auf ihn gewartet haben oder nicht: Er ist da und hat mich in seinem zweiten Aufflackern bislang nicht wirklich überzeugt. Das römische Arenenspektakel mit Russell Crowe war in Ordnung, aber eben kein Meisterwerk. Und Wolfgang Petersens "Troja" war nicht viel mehr als eine kostenträchtige Frechheit. Haben wir da wirklich noch eine "Alexander der Große"-Verfilmung gebraucht? Eigentlich nicht, schon gar nicht zwei. Baz Luhrman ("Moulin Rouge") lässt im nächsten Jahr Leonardo DiCaprio in den Orient ziehen - das kann ja durchaus ein Spektakel werden! Doch zuvor ist Oliver Stone an der Reihe. Und stünde nicht dieser Name hinter der dreistündigen Großproduktion, wäre mein Interesse an "Alexander" nach der Pleite mit Brad "Achilles" Pitt gleich Null gewesen. Und siehe da: Oliver Stone zeigt, dass ein guter Mann auf dem Regiestuhl durchaus etwas rausholen kann aus den großen Heldenepen der Antike. Schon seit seiner Studienzeit an der Filmhochschule hat der Macher solch interessanter Werke wie "JFK", "Natural Born Killers" und dem sperrigen Vierstünder "Nixon" mit dem Gedanken gespielt, den mächtigsten Feldherrn der Antike auf die Leinwand zu wuchten. Und da reitet er nun: Gespielt vom irischen Shootingstar Colin Farrell ("Nicht auflegen!") begibt sich der makedonische Herrscher daran, die Welt zu erobern. Als Sohn des grimmigen Königs Philipp

(ausnahmsweise ganz gut: Val Kilmer) und der biestigen Schlangenfreundin Olympias (sehenswert: Angelina Jolie) bildet sich schon früh eine gewisse Egomanie, ein gewisser Größenwahn bei dem blonden Blaublüter aus. Gerade noch wird Papi Opfer eines Mordanschlags, schon sattelt der junge Held sein Ross und führt eine Schlacht nach der anderen an. Erst geht's nach Babylon, dann immer weiter gen Osten, bis in Indien sogar Affen und Elefanten zu gefürchteten Gegnern werden. Auf dem Weg werden natürlich viele Schlachten geführt, viele Liter Blut vergossen und jede Menge große Töne gespuckt. Schließlich befinden wir uns hier in einem waschechten Heldenepos und nicht im Geschichtsunterricht. Was aber macht "Alexander" um Längen besser als Petersens "Troja"-Pleite? An den Hauptdarstellern liegt es nicht, immerhin ist Brad Pitt nach wie vor der bessere Schauspieler als Colin Farrell. Es muss also die Inszenierung sein, die über Treffer oder Flop entscheidet. Und die stimmt bei Stone. Sicher, "Alexander" ist mit seinen 175 Minuten ausgesprochen lang geraten. Dennoch ist er selten langweilig, behält sich über die gesamte Filmlänge seine Dynamik und kopiert nicht einfach eine Schlachtenszene hinter die andere. Durch verschiedene Verfremdungseffekte macht Stone das Beste aus all dem durchaus schonungslosen Gemetzel. Auch die Figur des Alexander ist zumindest einigermaßen nachvollziehbar getroffen. Colin Farrell interpretiert die Rolle dieses Schlachtmeisters durchaus solide, mit allen Vater-Sohn-Konflikten, der seltsamen Beziehung zu Mama Olympias und den homoerotischen Anzüglichkeiten zwischen all den schweißtreibenden Schlachten. Schwachpunkt des Film ist die überflüssige Rahmenhandlung, in der ein alternder Ptolemäus (Sir Anthony Hopkins) seinen Untertanen das Heldenepos des "größten aller" Alexander aufs Pergament diktiert. Diese Art der Erzählung wirkt etwas billig und überzogen. Hier hätte sich Oliver Stone doch etwas besseres einfallen lassen sollen, um den Zuschauern die Zusammenhänge zu erklären. 2-

The Incredibles
USA 2004, Regie: Brad Bird

Wenn Superhelden aus der Mode kommen: Neuer Hit von Pixar

(js 12/04) Das waren noch Zeiten, als der Treibhauseffekt noch kein Thema war und alle Katastrophen noch irgendwie abzuwenden waren. Dass waren noch Zeiten, als unser aller Wohl von der Tatenfreude dufter Superhelden à la Super-, Bat- oder Spiderman abhing. Doch was ist passiert? Die Mega-Heroen haben sich zurückgezogen und lassen uns allein in unserem Leid versinken. Das muss doch einen Grund haben. Hat es auch, schließlich ging die Ära der Superhelden mit einer Klageflut vor amerikanischen Gerichten zu Ende. Superhelden waren plötzlich nicht mehr erwünscht, sie mussten sich in ein ziviles Leben zurückziehen. Dabei half gottlob die Regierung. Mit ihrem Superhelden-Programm half sie den Übermenschlichen, sich ein Leben zwischen Aktenordnern und piefiger Vorstadtidylle aufzubauen. Von Mr. Incredible, dem Elastigirl und ihren Kollegen fehlt seither jede Spur.

Die Grundidee zu Pixars neustem Animationsfeuerwerk ist erwartungsgemäß originell. Was fangen einstige Superhelden mit einem normalen Leben an? Bei den Incredibles ist es nicht ganz so leicht. Mr. Incredible, damals der Auslöser für die Schadenersatz-Klagewelle, hat Superheldin Elastigirl geheiratet und mit ihr drei nicht weniger talentierte Kinder in die Vorstadtwelt gesetzt. Zufrieden ist er nicht: Tagsüber kauert er in einem
Versicherungsbüro rum, muss sich mit seinem nörgelnden Chef herumplagen und hat so gar keinen Spaß am Spießerdasein. Nur zu gerne trifft er sich abends heimlich mit seinem Ex-Kollegen Frozone, dem Mr. Freeze des Pixar-Kosmos, um ein wenig in Lebensretter-Form zu bleiben. Klar, dass er sich über ein Angebot freut, dass ihm eines Tages in den tristen Alltag flattert: Er soll nochmal in seinen Anzug schlüpfen und eine wahrlich heldenhafte Aufgabe lösen. Schade nur, dass sein Auftraggeber nichts anderes als sein neuster Erzfeind ist.
Es fällt nicht schwer vorherzusagen, dass die Incredibles die längste Zeit im zivilen Leben geblieben sind. Natürlich müssen sie alle gemeinsam ihre Superkräfte zusammenlegen, um das Böse zu besiegen.

Für die Pixar-Macher bietet diese Grundlage jede Menge Freiraum für ein riesiges Pottporree von Computertricks. Hier ist alles erlaubt, und selbst die Stunts, die sich ein Herr Bond niemals zugetraut hätte, sind in diesem Film möglich und damit auch zu bestaunen. Und das ist durchaus nett anzusehen.
Dennoch hätte der ruhig ein wenig gerafft werden können. Das erste Drittel ist unglaublich originell und urkomisch, der Rest eine Bloße Action-Show ohne nennenswertes Drehbuch. Ein Füllhorn von Filmzitaten und rasanten Szenen schafft es aber dennoch, den Zuschauer am Ball zu halten. Auch die deutschen Synchronsprecher von Markus Maria Profitlich über Felicitas Woll, Barbara Schöneberger, Herbert Feuerstein und Kai Pfaume (sic) machen ihre Sache sehr gut. Pixar hat es also wieder geschafft. Ihre möglicherweise zweitletzte Disney-Koproduktion reihen sie nahtlos an die gelungenen Vorgänger "Toy Story 1+2", "Monsters Inc." und dem letzten Knüller "Finding Nemo" an, wobei sie niemals das Nemo-Format erreichen. Dazu fehlt es einfach an der Entwicklung in ihrer neuen Geschichte. 2

PS: Den Vorfilm mit dem geschorenen Schaf hätte sich Pixar übrigens sparen können. Aber vielleicht mussten auch mal ein paar Praktikanten beschäftigt werden....

"Spieglein, Spieglein an der Wand, wer ist die schönste Frau im Land?", fragt sich die böse Königin (Nina Hagen). Die Antwort ist klar: Hinter den sieben Bergen bei den sieben Zwergen wohnt das liebreizende Schneewittchen (gespielt von Ninas tatsächlich liebreizender Tochter Cosma Shiva). Doch bevor der vorlaute Spiegel die unerhoffte Info vom Stapel lässt, grüßt er mit "Hallo erstmal..." Ach du liebe Güte, Rüdiger Hoffmann spielt einen Spiegel?! Willkommen im neusten Ulk aus dem Hause Otto Waalkes, dem ostfriesischen
Komiker, der noch immer mitten drin steckt im Humor der 80er Jahre. Doch dieses Mal hat er sich Verstärkung geholt. Neben Spieglein Hoffmann gibt sich fast das komplette Who-is-who der deutschen Comedy-Szene die Ehre: Martin Schneider, Mirco Nontchew, Helge Schneider, Hans Werner Olm, Christian Tramitz, Atze Schröder und wie sie noch alle heißen. Alle haben sich in ein lustiges Outfit samt Klebebärtchen geschmissen und erzählen die Geschichte von den sieben Zwergen neu. Das Ergebnis ist so vorhersehbar wie entsetzlich: Otto
Waalkes bringt die gleichen Schoten wie vor 25 Jahren und erspart uns auch dieses Mal nicht die "Klassiker" wie etwa das Waalkes-Gesicht auf einem Babykörper und ähnliche Grausamkeiten. Holla Rriddiiie! Das hatten wir auch in allen anderen fünf Kinofilmen des Emdeners. Die anderen Witzbolde blödeln eifrig mit, knallen sich mit Brettern vor die bemützten Köpfe, lassen Flatulenz und Dummheit freien Lauf und brauchen tatsächlich satte 90 Minuten für diesen bedauernswerten Humbug. Schlimmer noch: Selbst wenn die Kulissen zumindest ansatzweise liebevoll gestaltet sind - weder die Kostümierung noch die Inszenierung kommen auch nur im entferntesten über Schultheater-Niveau hinaus. Mehr als eine lose, recht uninspirierte Aneinanderreihung schlechter bis grottenschlechter Ulkeleien ist einfach nicht herausgekommen bei den Dreharbeiten hinter den sieben Bergen... Da kann auch ein anachronistisch wirkender gemeinsamer Cameo-Auftritt von Harald Schmidt und Helmut Zerlett nichts mehr ausrichten. 6

Gibt es sie tatsächlich noch, die Jugend mit echten Idealen? In Hans Weingartners "Die fetten Jahre sind vorbei" jedenfalls hat sie überlebt, diese Spezies, die zwischen all dem oftmals so desinteressierten und
desillusionierten Nachwuchs immer mehr in Vergessenheit gerät. Was bei den 68ern noch das Nonplusultra war, wirkt heute, zu Beginn des dritten Jahrtausends, nur noch lästig, kindisch und vollkommen realitätsfern. Jan (Daniel Brühl), Peter (Stipe Erceg) und Jule (Julia Jentsch, "Sophie Scholl") lassen sie wieder aufleben, die linken Ideale der in Vergessenheit geratenen Jugendbewegungen. Sie sind genervt vom Kapitalismus, von der Fernsehsucht und von der Gesellschaft, in der es scheinbar kein Plätzchen für sie gibt. Jule hat Schulden: Nach einem Unfall muss sie stolze 94.000 Euro abzahlen. Sie hatte leider nicht alle Versicherungsraten bezahlt, bevor sie einem dieser fetten "Bonzen" aufs Mercedes-Heck geprallt ist. Jetzt muss sie jeden erdenklichen Job annehmen, auf ihre Wohnung verzichten und mindestens acht Jahre lang ihre Schulden abbezahlen. Und wofür? Für einen dicken Millionär, der sich seinen Luxusschlitten ohnehin aus der Portokasse finanziert hat...
Peter und Jan haben sich ihrerseits ein ganz illustres Hobby zugelegt: Nachts brechen sie in die Villen der Steinreichen ein und gestalten sie ein wenig um. Sie stehlen nichts, sie verrücken lediglich die Möbel und hinterlassen wahlweise eine dieser beiden Nachrichten: "Die fetten Jahre sind vorbei" oder "Ihr habt zu viel Geld. Die Erziehungsberechtigten". Als Peter, Jules Lover, für ein paar Tage nach Barcelona fliegt, hilft Jan der Freundin seines WG-Mitbewohners beim Renovieren der Wohnung, die sie bald verlassen muss. In einer abendlichen Weinseligkeit vertraut Jan Jule das Geheimnis ihrer nächtlichen Touren an. Jule will es genauer wissen und überredet Jan, spontan in die Villa des Mannes einzubrechen, dem sie den riesigen Batzen Kohle schuldet. Klar, dass das nicht ganz reibungslos verläuft. Jule verliert ihr Handy und muss in der Folgenacht zurück an den Tatort. Kein Wunder, dass der Hausbesitzer kurze Zeit später vor ihrer Nase in die Villa stapft. Vollkommen planlos fesseln die beiden den Millionär, rufen Peter herbei und fahren per VW-Bulli in eine versteckte Hütte oberhalb des Achensees. Dort grübeln sie darüber nach, wie sie wieder aus der misslichen Lage heraus kommen können...
Nun müssen sie sich auseinandersetzen mit dem Mann, den sie da entführt haben. Und damit beginnt die eigentliche Stärke dieses Films: Der millionenschwere und betont vornamenlose Hardenberg (Burghart Klaußner) entpuppt sich als ein Schwerreicher der besonderen Art. "Wenn man unter 30 und nicht links ist, hat man kein Herz. Wenn man über 30 und noch immer links ist, hat man keinen Verstand", lautet sein Motto. Er selbst war früher glühender Verfechter der 68er-Bewegung, mitsamt freier Liebe und allen Freiheitsgedanken. Er hat durchaus Respekt für die drei kopflosen Jugendlichen, auch wenn er ihre Methode keinesfalls gut heißt. Wer wird wen bekehren in dieser originellen Figurenkonstellation? Kann sich der liquide Manager

"Die fetten Jahre sind vorbei" ist eine der sehenswertesten (nicht nur deutschen) Produktionen der letzten Monate: mit sehr gutem Drehbuch, schön inszeniert und ausgesprochen authentisch gespielt. Bei den Filmfestspielen in Cannes wurde die deutsche Produktion zu Recht in höchsten Tönen gelobt. 2+

Oh Schreck, oh Schreck, das Kind ist weg: Es klang alles so vielversprechend. Julianne Moore spielt eine verzweifelte Mutter, die ihrem verunglückten Sohn nachtrauert und plötzlich allein da steht mit ihrer Erinnerung an das Kind. Immer mehr verschwindet das Vermächtnis des elfjährigen Sam aus ihrem Leben, auf Fotos wird er einfach ausgelöscht. Bis am Ende nur noch sie selbst weiß, dass sie einmal Mutter war.

Joseph Rubens "The Forgotten" fängt tatsächlich auf hohem Niveau an und ist durchaus spannend. Warum erinnert sich bloß niemand mehr an die seit einem Flugzeugabsturz vermisste Kindergruppe? Selbst Sams Vater macht seiner Frau weiß, dass sie niemals ein Kind bekommen hatte und sich die Existenz des Jungen als Trauma nach einer Fehlgeburt schlicht und ergreifend eingeredet hat... Bitte schön, daraus kann man doch durchaus einen interessanten Film stricken. Einen von diesen Mystery-Thrillern eben, bei denen das Ende den Zuschauer aus dem Kinosessel haut. "Sixth Sense" war so einer, oder auch "The Others". Da stimmte das Ende, und genau davon lebt ein solcher Film. Doch was ist bitte hier passiert? Nach den ersten zwei durchaus spannenden Filmdritteln hält der blanke Humbug Einzug in "The Forgotten". Als hätten wir uns in eine der schwächsten "X-Files"-Folgen verirrt, ziehen irgendwelche albernen Aliens die Fäden. Klar, Mama Moore ist nicht verrückt, sie findet einen weiteren Trauernden, der sich an die Kinder erinnert. Gemeinsam gehen sie auf die mühsame Suche nach den Kleinen. Und wo landen sie? In einem außerirdischen Komplott, bei dem die Wesen aus fremden Galaxien Gehirne bei 90 Grad waschen und unliebsame Zuviel-Wisser per Megastaubsauger in den Himmel ziehen. Furchterregende Effekte und blöde Drehbuchwendungen geben sich hier die Klinke in die Hand. "The Forgotten" ist nichts weiter als ein unterirdischer B-Movie, an dessen Drehbuch höchstens Ed Wood seine Freude gehabt hätte.

Schlimm nur, dass die fantastische Julianne Moore in diesen Film gesaugt wurde. Wieso eigentlich? Hat sie etwa das Drehbuch nicht zu Ende gelesen, bevor sie den Vertrag unterschrieben hat? Hat sie es so nötig? Ich glaube eigentlich nicht, dass sie so mies im Geschäft ist... Wie auch immer: Selbst wenn Frau Moore alles gibt und den Film somit zumindest einen Millimeter über Video-Premieren-Ramsch hebt. Das hätte einfach nicht sein müssen! 5

(js 11/04) Jim Carrey ist ein seltsamer Vogel. Außer Jack Nicholson hat wohl kaum ein Hollywood-Schauspieler mit so viel Grimassieren auf sich aufmerksam gemacht wie er. Und in seinem Fall war das fast durchweg nervtötend bis unerträglich. In Comicverfilmungen wie "The Mask" (1994), "Batman and Robin" (1997) oder "How the Grinch Stole Christmas" (2000) mag das noch zumindest passend gewesen sein. Bei den Tiefpunkten seines filmischen Schaffens, etwa "Dumb and Dumber" und "Bruce Almighty" (2003), tat seine Visage hingegen weh. Sehr weh sogar. Und trotzdem hat der Kanadier mit US-Pass genau mit diesen Filmen seine Miete reingefahren. Er kann aber auch anders. In Peter Weirs gar nicht mal so weit hergeholten "Truman Show" etwa hatten Kritiker durchaus mit einer Oscarnominierung gerechnet. Auch Milos Forman schickte in "The Man on the Moon" einen eher ruhigen Carrey ins Rennen - und gewann. Zwar keinen Oscar, dafür aber Anerkennung für einen Fratzenschneider, der seine Gesichtsspastik auf Wunsch ausknipsen kann. Der Franzose Michel Gondry und US-Drehbuchschreiber Charlie Kaufman ("Adaptation") haben ihm nun eine neue Plattform geboten, seine ruhige, aber nichtsdestoweniger schräge Seite auszuleben.

Joel Barrish (Carrey) will die Liebe seines Lebens vergessen. Schließlich hat die es ihm vorgemacht: Ex-Freundin Clementine (Kino-Chamäleon Kate Winslet diesmal tatsächlich mit wechselnden (Haar-)Farben) erinnert sich nicht mehr an ihn, sie hat ihn aus seinem Gedächtnis auslöschen lassen. Und das mit professioneller Hilfe von Dr. Mierzwick (Tom Wilkinson), der sich auf ein kompliziertes aber effektives Verfahren der Hirnwäsche spezialisiert hat. Als Joel von diesem ärztlichen Eingriff erfährt, will auch er Clementine und mit ihr die schmerzliche Erinnerung an die erloschene Liebe aus seinem Hirn verbannen lassen. Über Nacht wird er verkabelt, an einen Computer angeschlossen. Das große Ausradieren im Kopf kann losgehen. Beim Löschen der Erinnerungen jedoch wächst die Liebe zu Clementine, der Schlafende würde die Prozedur gern abbrechen. Immer wieder versucht er, sich gemeinsam mit seiner Ex in den Windungen seines Hirns und den Erinnerungen zu verstecken, um das Löschen schließlich doch noch zu verhindern.

Kompliziert und absurd? Klar, wer Kaufman-Drehbücher wie etwa "Being John Malkovich" kennt, weiß in welche Richtung des Surrealen "Eternal Sunshine..." geht. Mit phantastischen Bildern und skurrilen Effekten zeichnet der Film die Katz-und-Maus-Jagd im Hirn des Protagonisten nach. Zusammenfassen lässt sich solch ein Film nicht. Den muss man einfach sehen. 2+

(js 9)04) Das wurde aber auch Zeit: Unendlich viele Filmchen und Reportagen hat es schon gegeben über das Dritte Reich, den Holocaust, den Zweiten Weltkrieg und Adolf Hitler. Doch es hat lange gedauert, bis sich endlich jemand ein Herz gefasst und einen genaueren Blick auf den selbst ernannten "Führer" geworfen hat. Bernd Eichinger, der Bayer mit der internationalen Filmografie (u.a "Der Name der Rose", "Das Geisterhaus"), ist das Wagnis eingegangen, hat zur Feder gegriffen und die letzten Tage des Nazi-Häuptlings zu (Drehbuch-) Papier gebracht. Hitler hautnah, im miefigen Bunker der Reichskanzlei, kurz vor und kurz nach seinem Tod.

Und schon werden die Stimmen derer laut, die dieses filmische Sezieren des Bösen als gefährlich einstufen. Klar, ein Film, der mit Hitler auf Tuchfühlung geht, zeigt den Diktator nicht nur als den manischen Brüllaffen am Rednerpult. Hier ist Hitler ganz nebenbei auch noch Mensch. Gefährlich? Vielleicht. Ein Skandal? Nicht im Geringsten. Es wäre ja so schön, wenn Hitler kein Mensch sondern eben eine Bestie gewesen wäre. Dann wäre uns allen klar, wie es zu diesen wahnwitzigen und abscheulichen Taten des Nationalsozialismus kommen konnte. So einfach sollte man es sich aber nun auch wieder nicht machen. Kann man auch nicht: Auch Hitler, dieser Widerling, war ein Wesen aus Fleisch und Blut, ein Mensch aus unserer Mitte. Und eben ein Mensch, der - so ungern wir das auch hören mögen - neben all seiner Schauderhaftigkeit womöglich auch schon einmal nett sein konnte. So hat es etwa Traudl Junge (Alexandra Maria Lara) beschrieben, die naiv-loyale Sekretärin des Tyrannen. Aus ihrer Sicht ist der "Der Untergang" erzählt. Die meiste Zeit befinden wir uns mit den Hauptfiguren unten im Bunker, während es oben ordentlich kracht und Berlin mehr und mehr "untergeht". Hitler ist soeben 56 Jahre alt geworden, ist ein alter, von Krankheit geplagter Mann, an den alles zerbrochen scheint - außer seinen abscheulichen Grundsätzen und Visionen. Immer wieder entlässt uns der Film aus dem stickigen Mief des Unterirdischen, führt uns rauf auf die Straßen, hinein in die Straßenschlachten der zerstörten Hauptstadt, hinein in Lazarette, in denen Gliedmaßen abgesägt und Blutfontänen verspritzt werden. "Der Untergang" tut weh - sowohl unterhalb als auch oberhalb des Erdbodens.

Für den Regiestuhl verpflichtete Drehbuchautor und Produzent Eichinger Oliver Hirschbiegel. Der hat mit seinem Thriller "Das Experiment" (1999) schon einmal Kellerluft geschnuppert und bewiesen, dass er mit solch klaustrophobischen Unter-Tage-Kammerspiele umgehen kann. Wichtiger jedoch war sicher die Verpflichtung eines geeigneten Hauptdarstellers. Hitler zu verkörpern, ist sicher eine der schwierigsten Aufgaben, vor die ein Mime gestellt werden kann. Hitler gehört zu den Figuren, die spielend leicht persifliert, aber umso schwerer ernsthaft nachzuahmen sind. Nur allzu leicht wird aus dem kranken Demagogen eine alberne Clownerie. Bruno Ganz ist einer der wenigen, der dieser Aufgabe gewachsen ist. Sein Hitler ist gespenstisch, faszinierend und abscheulich zugleich. Und eben nur bedingt clownesk.

Wie sehr die 150-Minuten-Schau in den Führerbunker sich an die historischen Tatsachen hält, sollten andere beurteilen. Sicher hätte man sich einen Patzer wie den "gefälschten" Tod von Magda Goebbels sparen können und sogar müssen. Dennoch: Wichtiger als historische Präzision sind im Falle eines solchen Spielfilms die Dramaturgie und der Fokus auf eine Charakterstudie. Und vor allem letztere kann sich sehen lassen. Bruno Ganz zeigt einen facettenreichen Egomanen, der zwischen väterlicher Güte und furchterregenden Wutausbrüchen pendelt. Gerade in diesem cholerischen Anfällen ist Bruno Ganz phänomenal und wird in die Filmgeschichte eingehen. Doch selbst wenn der Schweizer in der Rolle des Österreichers die Szenen im Bunker überragt, gehen auch die Nebenrollen nicht unter neben seiner Präsenz. Abgesehen von einigen farblosen Chargen wie Heino Ferch als Speer, legen viele der Mitwirkenden die Leistungen ihres Lebens ab. Allen voran Corinna Harfouch als unterkühlte Anti-Mutter Magda Goebbels und Ulrich Matthes als vor faschistoidem Irrsinn nur so strotzenden Joseph Goebbels. Die oft erwähnte Szene, in denen Magda ihren Kindern die tödlichen Kapseln verabreicht, ist einer der grauenhaftesten Momente der Kinogeschichte. Und vor allem an dieser Stelle kommt es wieder, dieses schlechte Gewissen, dass wir um den Tod von sechs Kindern trauern, während die 6 Millionen getöteten Juden keinerlei Erwähnung finden im "Untergang". Aber wer erwartet, dass ein Spielfilm eine gesamte historische Ära umfassen muss, dass er die Faszination erklären muss oder kann, die ein Adolf Hitler auf "sein" Volk ausgeübt hat, der hat nicht verstanden, worum es im Kino geht. Ein für alle Mal: Gute Filme macht man nicht für die Dümmsten unter uns. 1

(js 2/05) Manchmal muss man auch Nein sagen können. Nicole Kidmans Vita ist wirklich eine der Bilderbuchkarrieren Hollywoods. Nach ihren schauspielerischen Anfängen in ihrer Heimat Australien hat sich die schmale Blonde über das Ehebett von Ex-Mann Tom Cruise hinauf gearbeitet in die A-Liga der Traumfabrik. Seitdem sie in Stanley Kubricks Vermächtnis "Eyes Wide Shut" weinend vor der Schlafzimmerheizung saß, hat sie fast alles richtig gemacht und schließlich einen Oscar eingeheimst. Den hat sie auch durchaus verdient, nur das mit dem Neinsagen - das hat sie einfach noch nicht drauf. Zumindest sagt sie viel zu oft Ja, wenn's um Drehbücher geht. Bei Frank Oz' "Stepford Wives" zumindest hätte sich ein klares Nein ganz gut gemacht.

Denn was hat dieser Film schon? Er handelt von einer karrieregeilen Medientante (Kidman), die nach einem unverdienten goldenen Handschlag einen Nervenzusammenbruch erleidet. Um wieder ein normales Leben führen zu können, kauft ihr Mann (das weige Milchgesicht Matthew Broderick) ein schickes Haus in Stepford, einem paradiesischen Städtchen in Connecticut. Hier gibt es keine Armut, keine Kriminalität und keine Selbstverwirklichung menopausierender Gattinnen. Die Männer tummeln sich im Club, rauchen Zigarre und trinken Whiskey. Die Frauen halten sich und das Haus in Schuss. Der Kidman wird es schnell zu bunt. So eine Idylle kann es einfach nicht geben! Gott sei Dank gibt es noch zwei weitere Normalos, einen schwulen Architekten und eine abgetakelte Bestsellerautorin (Bette Midler). Schlimm nur, dass auch die beiden sich eines Tages in aalglatte Versionen ihrer selbst verwandeln...

Machen wir es kurz, denn mehr hat diese alberne Komödie nicht verdient: Dieses Remake von "The Stepford Wives" ist nervig, kreischbunt und vollkommen überflüssig. Die in perfekte Roboter verwandelten Damen rund um Oberhausfrau Glenn Close sind unerträglich. Tiefsinniger Humor ist dem Film absolut fremd, die weltverbesserische Moral könnte plumper nicht dargestellt werden. Sicher, Frau Midler und Frau Close kann man keinen Vorwurf machen. Sie müssen schließlich auch anderthalb Jahrzehnte nach ihren Karrierehochs noch ihre Fixkosten bezahlen. Aber Frau Kidman? Nein, sie sollte einfach auch mal den Mut haben, sich wieder ein wenig rar zu machen. Nein sagen ist doch eigentlich gar nicht so schwer! 5

(js 10/04) "Ein herzliches Willkommen in der zuckersüßen Welt des Steven Spielberg." Mit diesem Satz hätten die Sicherheitsbeamten am New Yorker Flughafen John F. Kennedy den arglosen Osteuropäer Victor Navorski (Tom Hanks) begrüßen können. Sie haben sich jedoch etwa anderes ausgedacht, lassen den verwirrten Reisenden nicht in ihr gelobtes Land und führen ihn statt dessen in das Büro des aufstrebenden Sicherheitschefs Frank Dixon (Stanley Tucci). Und der erklärt, was Sache ist: In Krakhozia, dem fiktiven Heimatstaat des US-Touristen, hat es eine Revolte gegeben, die diplomatischen Beziehungen zwischen dem kleinen Land jenseits des Atlantiks mit den Vereinigten Staaten von Amerika sind vorerst auf Eis gelegt. Victor ist staatenlos und darf somit das internationale Gebiet des Terminals nicht verlassen. Und das für Tage, Wochen, Monate...

Steven Spielberg, der bärtige Schwadroneur mit dem kindlichen Gemüt, hat sich diese Geschichte nicht ausgedacht: Am Pariser Großflughafen Charles de Gaulle hängt tatsächlich ein geflohener Perser seit 1988 im Terminal herum. Ein Opfer der europäischen Bürokratie, der inzwischen jedoch freiwillig und einige Spielberg-Dollars reicher in den französischen Wartehallen abhängt. "The Terminal" hat diese wahre Begebenheit zur Grundlage eines Films gemacht, der sich in seiner gesamten Laufzeit von immerhin knapp 130 Minuten niemals festlegen möchte, was er denn nun ist. Ein Drama? Naja. Eine Komödie? Ansatzweise. Eine Romanze? Wäre er gern. "The Terminal" ist eine Schnulze, die zwar recht unterhaltsam daher kommt und nicht allzu sehr verärgert, dafür aber auch weit weg ist vom großen Wurf.

Was kann man auch schon erleben in der bunten hektischen Welt eines Flughafenterminals? Ungemein viel, will uns der Film weiß machen. Da wäre zum einen der ewige Kampf mit Sicherheitschef Dixon. Der ist karrieregeil und möchte den gutmütigen Victor lieber heute als morgen loswerden. Und das auf möglichst fiese Weise, bei der der Schwarze Peter vorzugsweise einem anderen zufällt. Victor bleibt brav und beharrlich in den Flughafenhallen, nistet sich in einem stillgelegten Gate ein und schart mit den Filmminuten eine Reihe von Freunden aus den untersten Airport-Etagen um sich. Er bringt sich selbst die englische Sprache bei, besorgt sich einen Job, spielt den Postillon d'amour und verliebt sich schlussendlich selbst: in das hohlköpfige Zuckerschnäuzchen Amelia (Catherine Zeta-Jones), einer desillusionierten Stewardess bei United Airlines, die sich seit Jahren von einem verheirateten Mann auf den Füßen herumtrampeln lässt. Klar, dass zwischen dem ungleichen Gespann Victor/Amelia recht bald zaghafte Funken sprühen und sie sich annähern. Sie ist die vom Termindruck und Machismo geplagte Amerikanerin, er der gefühlvolle Fremde mit dem Herzen am rechten Fleck. Danke, Herr Spielberg. Das hatten wir ja erst eine Million Mal!

Nein, "The Terminal" gehört sicher nicht zur Spitzenklasse in der Filmografie des Steven Spielberg. Und das liegt nicht einmal am Ausgangsmaterial oder an den Darstellern. Es liegt an der Charakterzeichnung des Drehbuchs. Der Film begeht den leider Gottes allzu weit verbreiteten Fehler, den Großteil der Handlung an einer an Stereotypie kaum zu überbietenden Figur aufzuhängen. Bei "The Terminal" heißt sie Frank Dixon und ist so eindimensional wie ein Blatt Papier. Der Sicherheitschef mit der bösen Glatze ist ein von Machtgeilheit getriebener Rotzlöffel, der dem - nicht sehr viel weniger eindimensionalen - Helden Victor das Leben zur Hölle macht. Der Zuschauer hat es hier leicht: Er weiß sofort, wo der Hammer hängt, wen es zu hassen, wen zu lieben gilt. Böser, böser Sicherheitschef! Lieber, guter Staatenloser! Dumme, unverbesserliche Stewardess! Herrlich, in Spielbergs Welt ist alles ganz simpel. Schwarz und Weiß, uniformiert und zivilisiert, roter Stempel, grüner Stempel.

Auf der anderen Seite hat "The Terminal" durchaus seine Momente. Der Anfang läuft beschwingt an und hebt die Erwartungen des Zuschauers. Der Moment, in dem Victor erfährt, was in seiner Heimat wirklich los ist, ist schön inszeniert und ergreifend. Selbst einige der komischen Momente des Film funktionieren, andere hingegen sind fast schon beleidigend peinlich. Auch die "jazzig-schmalzige" Auflösung von Victors großem Geheimnis haut einen nicht gerade vom Hocker. Da hätte es weder einen Spielberg gebraucht noch zwei Oscar-gekrönten Häupter in den Hauptrollen. Nach der brillanten Fingerübung "Catch Me If You Can" (2002) hätte ich schon ein wenig mehr erwartet von Steven Spielberg. Und außerdem: Schwabbelvisage Tom Hanks wird auch mit einem penetrantem Osteuropa-Akzent nicht gerade erträglicher... 4

Es ist schon so ein Ding mit dem Herrn Shyamalan: Erst liefert er Ende der 90er mit "The Sixth Sense" den Film ab, der den Begriff "Plot-Twist" wahrscheinlich bis auf alle Ewigkeit prägen wird, dann legt er kurz darauf mit "Unbreakable" nach – einer etwas trägen, nichtsdestoweniger aber interessanten Variation des Superhelden-Films (inklusive Plot-Twist). Darauf folgt dann "Signs" mit Mel Gibson und die Erkenntnis, dass Shyamalan endgültig in Hollywood angekommen ist. Resultat: Ein atmosphärischer Kindergeburtstag für Akte X-Fans, der letztlich aber doch an vielem krankte – neben den albernen Aliens vor allen Dingen am… na? Genau: Am Plot-Twist. Shyamalan schien in einer Sackgasse angekommen zu sein. Festgelegt auf ein bestimmtes Schema, das man nun mal nicht endlos variieren kann und das mit jedem erneuten Aufguss immer lahmer wird. Es hilft halt die schickste Verpackung nichts, wenn der Inhalt letztlich hohl ist. Jetzt also "The Village". Und was passiert? Die Kritiker und das Publikum fallen fast einhellig über den Film her. "Betrug!" schreien sie. Weshalb? Ganz einfach: Shyamalan geht wieder seinen eigenen Weg und unterläuft damit die Erwartungshaltungen. So ist "The Village" wider Erwarten und entgegen der völlig fehlgeleiteten Promotion-Maschinerie kein astreiner Grusel-Schocker geworden.

Die Geschichte des Films ist schnell erzählt (auch um nicht zu viel zu verraten): Auf einer großen Lichtung, umgeben von einem dichten Ring aus Bäumen, liegt das Dorf. Eine Enklave der Friedfertigkeit, in der Gemeindevorsteher Edward Walker (William Hurt) nach Recht und Ordnung sieht. Die Handlung

spielt – so will es eine Grabesinschrift – im Jahr 1897. Abgeschieden von der Zivilsation der Städte lebt man hier ein einfaches, aber glückliches Leben. Gäbe es nicht den dunklen Forst und die Wesen, die in ihm leben: Die "Unaussprechlichen" – gefährliche Kreaturen, mit denen die Dorfbewohner in einer Art Waffenstillstand leben. Der fragile Friede mit dem meist nur zu hörenden Monstern basiert jedoch auf strengen Regeln. So ist die Farbe Rot gänzlich aus dem Dorf verbannt, da sie die Wesen anlockt. Und selbstverständlich darf niemand den Wald betreten, geschweige denn durchqueren. Das vermeintliche Idyll hält jedoch – immerhin ist es nach wie vor ein Shyamalan-Film – nicht lange stand. Ebenso wie in "Signs" kratzen bald krallenbewehrte Hände an den Haustüren...
Mehr zu erzählen wäre müßig und unfair. Shyamalan hat für seinen Film eine Garde hochtalentierter Schauspieler um sich versammelt. Neben bereits (alt-)bekannten Gesichtern wie Joaquin Phoenix, Adrien Brody, William Hurt und Sigourney Weaver ist es aber vor allen Dingen das Schauspieldebüt von Bryce Dallas Howard, in der Rolle der blinden Ivy Walker, das begeistert. Von ihr wird man in Zukunft noch viel (Gutes) hören und sehen – so viel kann man wohl nach dem Genuss von "The Village" schon sagen.
Denn um einen Genuss handelt es sich bei dem Film. Warum? Ganz einfach: Weil sich Shyamalan eben nicht auf den obligatorischen finalen Knalleffekt verlässt (nicht, dass es ihn nicht gäbe), sondern lieber wieder auf eine stimmige Geschichte (die übrigens eher an Nathaniel Hawthorne denn an Stephen King erinnert).

Der wirkliche Trumpf von "The Village" ist jedoch seine Atmosphäre. Gemeinsam mit Coen-Kameramann Roger Deakins zaubert der Regisseur ein bestechend hypnotisches Düster-Setting von mystischer Bildgewalt auf die Leinwand. Und so ist bei "The Village" ohnehin auch eher der Weg das Ziel. Die ach so sensationelle Auflösung, wird dabei konstant sabotiert von Plot-Verläufen, die dem Spannungsaufbau eigentlich entgegenwirken. Dadurch aber subtil für andauernde und eindringlichere Verunsicherung sorgen. Mehr soll an dieser Stelle nicht verraten werden.

Fazit: Wer von "The Village" einen platten Grusel-Schocker mit Überraschungseffekt erwartet, der wird mit Sicherheit enttäuscht. Wer hingegen stilvolles Düster-Kino mit viel Atmosphäre zu schätzen weiß, der wird sich im Dorf schnell Zuhause fühlen. 2

The Motorcycle Diaries
Diarios de Motocicleta, Argentinien/GB/USA 2004, Regie: Walter Salles

Manchmal muss man eben raus. Raus aus der Stadt, raus aus dem Alltag. Einfach mal was sehen von der Welt. Das dachte sich auch der junge Medizinstudent Ernesto Guevara de la Serna, als er sich 1952 mit seinem Freund Alberto Granado auf weite Tour begab - mit dem Motorrad von Buenos Aires entlang der Anden bis in den hohen Norden Südamerikas. Grandiose Landschaften und jede Menge interessanter Begegnungen warten auf die Studenten. Dass die beiden Jungspunde mit ihrem Zweirad aber nicht gerade ins Paradies auf Erden rollen, versteht sich von selbst. "Road Movies" enden schließlich nie im Garten Eden. So auch "The Motorcycle Diaries" alias "Die Reise des jungen Che". Schneechaos, Motorprobleme und der Pleitegeier drohen immer wieder mit dem Aus der Reise, auf der in dem jungen Naivling Ernesto erste Keime des Revolutionären sprießen.

Nach unzähligen Kilometern mit Abstechern zu den peruanischen Inka-Ruinen Machu Picchu, in den hispanischen Großstadtmoloch Lima und die in Abgründe der Armut landen die beiden Idealisten endlich am Ziel ihrer Reise, einer Lepra-Station in den Wäldern Venezuelas. Dort helfen sie aus und lernen das Leid am eigenen Leib kennen, bevor's wieder nach Hause geht, zurück auf die Hochschulbank.

Walter Salles erfindet mit diesem Film das (Motor-) Rad nicht neu. Er versucht sich nicht daran, Grenzen des Kinos zu erweitern oder die Figur des späteren kubanischen Guerillaführers "Che" Guevara zu definieren oder gar vollständig zu beleuchten. Der Film erzählt lediglich eine neunmonatige Reise zweier junger Menschen, die deren Sicht der Dinge verändert. Er lässt sich die dafür gebotene Ruhe und Zeit und tut dabei niemals wirklich weh. Es ist aber immer wieder eine Wohltat, wenn Filme jenseits von Hollywood entstehen. Auch wenn hier Robert Redford als ausführender Produzent für die entsprechende Vermarktung sorgt: Unverbrauchte Gesichter (allen voran der charismatische Hauptdarsteller Gael García Bernal aus Inarritus mexikanischem Hundekampf "Amores Perros", 2001), echte Landschaften und eine authentische Inszenierung machen diese Motorrad-Tagebücher zu einem sehenswerten Abstecher in die Welt Lateinamerikas. Nicht mehr und nicht weniger. 2

(js 7/04) Die krummbeinige alte Dame kommt in das Büro des Sheriffs hereingewankt, um sich über die Lärmbelästigung in ihrer Nachbarschaft zu beschweren. So richtig scheint es den Gesetzeshüter jedoch nicht zu interessieren, was die tattrige aber eben doch sehr bestimmte Lady da von ihm fordert. Die Senioren hinkt nach Hause, setzt sich nieder und beginnt zu stricken - als es plötzlich an der Tür klopft und ein außerordentlich gebildeter Herr als Mieter für das Kämmerlein im ersten Stock vorspricht....

Entschuldigung, hatten wir das nicht schon einmal? Ja, wir befinden uns zwar im schwülen Süden der Vereinigten Staaten, am Ufer des mächtigen Mississippi, aber dennoch stecken wir mitten drin in einer Geschichte, die schon einmal auf der Leinwand erzählt wurde. Vor ziemlich genau 50 Jahren spielte Sir Alec Guinness den eloquenten Professor, der sich bei einer alten Frau einnistet und mit seinen Freunden eifrig zu musizieren beginnt. Hinter der ach so anständigen Fassade jedoch waren der Studierte und sein Team nichts weiter als einfallsreiche Ganoven, die vom Haus der Dame einen Tunnel zu einem begehrten Banktresor graben... Das Original ist ein Klassiker der britischen Filmkomödie; ein herrlich verschrobenes Meisterstück, dreckig, gemein und doch sehr liebenswert. Und jetzt kommen die Coens daher. Meister ihres Faches, die uns schon mit cineastischen Glanzstücken wie "Barton Fink" (1991), "Fargo" (1996) und "The Man Who Wasn't There" (2001) verwöhnt haben. Sie haben das Drehbuch nach einem halben Jahrhundert noch einmal aufpoliert und von einer verqualmten englischen Industriestadt ins brütend-heiße Mississippi-Delta importiert. Leider tun sie weder uns noch sich selbst einen Gefallen damit.

Tom Hanks spielt Professor Goldthwait Higginson Dorr, Ph.D., den Kopf der Bande. Neben ihm arbeiten der General (ein asiatischer Buddhist mit Hitlerbart), ein vom Reizdarm geplagter Sprengstoffspezi, ein hyperventilierender Quoten-Schwarzer und ein tumb-schmerzfreier Football-Spieler. Sie alle hocken sich als angebliche Musikanten in den Keller der frommen Witwe Marva Munson (Irma P. Hall) und fangen an zu buddeln. Ihr Ziel ist der Geldvorrat eines auf dem Mississippi schwimmenden Casinos, was auch durch emsiges Buddeln und Sprengen recht schnell erreicht ist. Dumm nur, dass die misstrauische Alte den Jungs auf die Schliche kommt und mit der Polizei droht. Was bleibt den Gangstern da noch anderes übrig, als die nervtötende Witwe um die Ecke zu bringen? Dass sich das als nicht gerade einfach erweisen wird, muss eigentlich nicht erwähnt werden.

Schade. Die Coens gehören zu dem Allerbesten, was Hollywood heutzutage zu bieten hat. Aber irgendwie scheinen sie momentan ein Problem zu haben. Schon ihr letzter Film "Intolerable Cruelty" (2003) war eine Auftragsarbeit für ein Mainstream-Publikum. Das haben sie noch recht gut gemeistert und eine immerhin überdurchschnittlich amüsante Komödie abgeliefert. Mit "The Ladykillers" aber arbeiten sie meilenweit unter ihrem Niveau. Da, wo das englische Original durch seine Schrulligkeit besticht, mühen sich die Regiebrüder bei der Neuauflage damit ab, so schrullig wie möglich zu sein. Künstliche Schrulligkeit funktioniert aber nicht. Zusätzlich gesellt sich im Remake eine mäßige Comedy neben all den morbiden Witz. Während Tom Hanks und Irma Hall ihre Sache noch recht gut machen und als geschwätziger Akademiker und gottesfürchtige Drahtbürste überzeugen, hapert es vor allem bei den Nebendarstellern. Allen voran nervt der scheußliche Neuzeit-Struwwelpeter Marlon Wayans: So einer hätte früher bei den Coens keinen Zutritt zum Set gehabt. Jetzt muss er einige Szenen tragen. Und das tut weh! Auch das fröhliche Furzen seines chronisch grummelmagigen Komplizen passt eher in das Frühwerk der Farrellys als in das heutige Werk der Coens.

"The Ladykillers" erzählt zu exakt die Geschichte des Klassikers nach - außer vielleicht, dass hier die Leichen nicht in Zügen sondern auf Mülltransportschiffen landen. Für alle, die das Orginial kennen, gibt es nicht den geringsten Überraschungsmoment. Für Coen-Fans ist dieser Neue eine herbe Enttäuschung. Hier fehlt einfach eine Portion Esprit, wie Professor Dorr sagen würde. Die Geschichte will irgendwie nicht richtig in Schwung kommen. Ach ja, leider müsste Dorr in seinem ach so illustren Duktus auch noch eines zugeben: Die Coens und mittelmäßiges Kino sind - zumindest zurzeit - leider kein Oxymoron mehr... Auch wenn's mir mir in der Seele weh tut: 4+

Super Size Me

USA 2004, Dokumentation, Regie: Morgan Spurlock

Das große Fressen: Unterhaltsam unappetitlich

   (js 09/04) Fast Food ist ja so eine praktische Erfindung. Mal eben in die Schlange gestellt, einen Burger mit Cola und Pommes bestellt und schon ist man satt - zumindest für drei Minuten. Und man weiß schon immer vor dem ersten Bissen, ob/wie/dass es schmeckt. Auch Morgan Spurlock, Dokumentarfilmer aus dem Land der unbegrenzten Möglichkeiten und zugleich der Wiege des Junkfood, weiß um die Meriten des schnellen Spachtelns. Doch Spurlock weiß mehr als der Mehrheit seiner Landsmänner: In den USA haben bereits zwei Drittel der Bevölkerung Übergewicht. Woran kann das liegen? Trägt die Ess-"Kultur" der Neuen Welt die Schuld am überdimensionierten Body-Mass-Index der Amerikaner? Spurlock wollte es wissen und machte sich kurzerhand zum Versuchskaninchen: "I'm ready. Super size me", fordert er zu Beginn seiner gleichnamigen Filmdokumentation und setzt sich selbst auf eine kompromisslose McDonald's-Diät. 30 Tage lang ernährt er sich ausschließlich von Produkten, die vom weltweit führenden Fast-Food-Giganten vertrieben werden (Regel Nummer 1).
    Dass der Speiseplan nicht gerade spurlos an dem eigentlich normalgewichtigen und einigermaßen durchtrainierten New Yorker vorüber geht, ist schon zu Beginn der Doku klar. Dennoch: Der Verlauf der Spurlockschen Horrordiät ist durchaus sehenswert. Schließlich weiß der junge Filmemacher, mit welchen Zutaten moderne Dokumentarfilme kommerziell funktionieren. Im Fahrwasser des Oscarpreisträgers Michael Moore lässt es sich derzeit recht gut schwimmen, und so könnte "Super Size Me" auf den ersten Blick durchaus ein echter Moore sein - wenn Moore nicht selbst auch einer der übergewichtigen Burgerfetischisten wäre...
    Um nicht zu großen Schaden nehmen zu müssen, führt Morgan Spurlock seinen Selbstversuch unter dreifacher ärztlicher Aufsicht durch. Der Anfangscheck sagt deutlich: Spurlock ist kerngesund, fit und bestens ernährt. Er wohnt in Manhattan und ist schon deshalb viel in Bewegung - acht Kilometer am Tag ist ein New Yorker von "Natur" aus auf den Beinen. Während einer echten "McDiät" ist jedoch nach 2000 Schritten Schluss. Sport hat keinen Platz im Tagesablauf eines echten Junk-Fressers (Regel Nummer 2). Regel Nummer 3: Immer wenn er gefragt wird - und nur dann -, bestellt sich der Testfresser das "Super Size Menu". Ein Menü, bei dem ein Durchschnittseuropäer schon beim Anblick satt ist.
    Wie gesagt: Das Ergebnis ist von vornherein klar. Spurlocks Körper hat keine sonderliche Freude an seiner neuen Energiezufuhr. Das erste "Super Size Menu" landet unverdaut und angesäuert auf dem McD-Parkplatz, das Wohlbefinden des McD-Testers nimmt zusehends ab. Sprulock fühlt sich schlecht, träge und ist nicht mehr der feurige Liebhaber, den seine (nervige) vegetarisch-ökologische Freundin kennen gelernt hat. Später zeigt er Symptome eine McD-Sucht, nach 20 Tagen ist sein körperlicher Zustand in einer dramatischen Verfassung.
    Dass Junk Food in diesen Mengen kein Garant für ein langes Leben ist, ist auch ohne einen solchen Selbstversuch samt US-Reise samt Vorstellung der fettesten Städte jenseits des Atlantiks klar. Nötig war er daher nicht. Dennoch bietet er dem Film eine Dramaturgie, die mit Blicken auf so manche erschreckende Statistik und die eine oder andere körperliche Problemzone garniert einen unterhaltsamen Appell an den gesunden Kochverstand der Zuschauer richtet. Oder ist es etwa nicht bedenklich, dass die von Spurlock befragten (wohlbeleibten) Teenager zwar die Modelmaße einer Britney Spears bewundern, sich selbst aber einreden, dass zu einem "realistischen" Leben jedoch der eine oder andere Rettungsring um die Wampe einfach dazu gehört...? Oder aber, dass eine dicke 13-Jährige aus dickem Hause nicht weniger isst, obwohl sie weiß, dass ihr Opa aufgrund seiner Leibesfülle nicht in einem Sarg sondern in einer Klavierkiste unter die Erde gebracht wurde...?   2

Und die längere Auszeit hat offensichtlich ihre Spuren hinterlassen. Schaut man sich "Harry Potter und der Gefangene von Askaban" an, dann will man schon nach kurzer Zeit ausrufen: "Kinder, wie die Zeit vergeht!" Ist es doch noch keine zweieinhalb Jahre her, seit Daniel Radcliffe, Rupert Grint und Emma Watson zum ersten Mal in die Rollen von Harry und seinen Freunden Ron und Hermione geschlüpft sind. Doch aus den kleinen Dreikäsehochs, die sich damals noch pausbäckig auf der Leinwand tummelten, sind mittlerweile richtige Teenies geworden. Nur noch einen Steinwurf von der Pubertät entfernt. Doch nicht nur die Hauptdarsteller sind erwachsener geworden: Unter der Regie des Mexikaners Alfonso Cuarón ist ein Film entstanden, der zu Recht die Altersfreigabe "ab 6 Jahren" hinter sich gelassen hat. Damit haben Cuarón und FSK jedoch nur der Vorlage Respekt gezollt: Ist Rowlings drittes Werk doch der mit Abstand düsterste Roman im Harry-Potter-Zyklus. Wo die ersten beiden Teile und deren Verfilmung durch den Amerikaner Chris Columbus noch einem großäugigen Bummel über den bunten Rummelplatz der magischen Zauberwelt von Hogwarts gleichkamen, so steigt Cuarón im dritten Teil lieber sofort und ohne Umwege in die Geisterbahn:

Harry steht kurz davor sein drittes Lehrjahr in Hogwarts zu beginnen. Doch wird die Vorfreude auf die Magierschule und eine schöne Zeit im Kreise seiner Freunde schnell getrübt: Sirius Black (Gary Oldman), ein gefürchteter Massenmörder, ist aus dem Zauberergefängnis von Askaban ausgebrochen. Vor langer Zeit hatte Black Harrys Eltern an den finsteren Lord Voldemort verraten und damit deren Todesurteil unterschrieben. Nun steht Harry scheinbar selber auf seiner Abschussliste. Dementoren, die Gefängniswärter von Askaban, patroullieren von daher die Gegend um Hogwarts... und so viel sei schon mal verraten: Die "Jungs" stehen den tolkienschen Ringgeistern in Nichts nach!
Schon von der ersten Sekunde an ist klar: Cuarón und Warner Brothers gehen mit "Askaban" ein Wagnis ein und pfeifen offensichtlich auf das Motto "same procedure as every year". Der Film trägt einen insgesamt raueren, härteren Look. Der mexikanische Regisseur nutzt in jedem Fall die Freiräume erfolgreich, die ihm das Studio eingeräumt hat. Für "Harry Potter und der Gefangene von Askaban" wurde die literarische Vorlage auf das Nötigste entschlackt. Cuarón rast nicht mehr so manisch wie sein Vorgänger durch die Handlung. Zwar muss er immer noch ein 470 Seiten starkes Buch in die Laufzeit von 2 Stunden und 20 Minuten zwängen, doch schafft er das (bis auf ein paar Ausnahmen) glänzend und mit lockerer Hand. Dabei kann er sich jedoch auch auf starke Unterstützung verlassen: Sein Hauptdarstellerteam ist mit der Zeit deutlich in die Rollen hineingewachsen und fühlt sich in ihnen sichtbar wohl. Grint, Watson und diesmal sogar Radcliffe agieren mit viel Selbstvertrauen vor der Kamera. Unterstützt werden sie dabei wieder einmal von einem britischen All-Star Team: Angefangen vom immer guten Gary Oldman über den mysteriösen Lehrer Professor Lupin (David Thewlis), Neu-Dumbledore und Richard Harris-Ersatz Michael Gambon bis hin zum mit Maggie Smith, Alan Rickman und Emma Thomson hochkarätig besetzten Lehrerkollegium. Auch die Spezialeffekt-Abteilung hat zum ersten Mal in der Geschichte der Potter-Filme ganze Arbeit geleistet: Der Hippogriff (eine Mischung aus Adler und Pferd) sieht atemberaubend gut aus und beschert dem Zuschauer zudem die schönste Flugsequenz seit Fuchur dem Glücksdrachen! Nimmt man dann noch die beste Vorlage aus dem Potter-Universum, so erhält man eine wirklich gute Adaption, die es annähernd schafft die Magie von Rowlings Büchern auf die Leinwand zu bannen. 2+

(js 08/04) Eigentlich läuft Michael Moore bei seinem inzwischen recht großen Publikum offene Türen ein. Schon in seinen letzten Dokumentarfilmen wie "The Big One" oder zuletzt "Bowling for Columbine" hat er klar gemacht, von welcher politischen Warte aus er seine Heimat - die USA - beobachtet, kommentiert und teilweise seziert. Als er pünktlich zum Startschuss des Irakkriegs im März 2003 seine inzwischen legendäre Oscar-Rede gegen das von ihm so verhasste amerikanische Staatsoberhaupt ("Shame on you Mr Bush") hielt, war klar, dass diese fragwürdige Präsidentengestalt früher oder später Ziel einer Moore-Dokumentation werden würde. Schließlich hatte der eloquente Dicke George W. Bush während seiner Amtszeit bereits zwei Attacken in Buchform an den Kopf geworfen: "Stupid White Men" (2002) und "Dude, Where's My Country" (2003).

Wer beide Bücher kennt, kann die Argumentationsstränge von "Fahrenheit 9/11" bereits voraussagen. Vieles hat Moore in seinen exzellent recherchierten aber jeweils nach der Hälfte leicht enervierenden Bestsellern aufgedeckt, vorgeworfen und betont. In "F 9/11" nun belegt er seine Thesen mit den entsprechenden bewegten Bildern - wo auch immer er die aufgetrieben haben mag. Und dass die die komplette Bandbreite zwischen erschreckend, traurig und absurd abdecken ist klar. Hauptdarsteller Bush liefert schließlich unentwegt neue verbale, mimische und menschliche Fehltritte.

Moore bezieht mit "F 9/11" klar Stellung gegen Bush, seine Familie und die Machenschaften der amerikanischen Regierenden. Er möchte den Cowboy, der durch Wahlmanipulation auf seinen Chefsessel geriet, im Herbst aus dem Weißen Haus getrieben sehen. Allein die Chronologie seiner Amtszeit müsste dafür schon ausreichen: die ersten Monate in erfolgloser, inhaltsleerer Urlaubslaune, die Anschläge vom 11. September und ihre Folgen, der Wahnsinn des Irakkriegs... .

Was aber genau zeigt "F 9/11"? Die titelgebenden Anschläge vom 11. September 2001 zeigt er nicht. Und das ist sehr angenehm: Hier reicht eine schwarze Leinwand mit eindeutiger Tonspur. Die Bilder der lodernden Türme haben sich ohnehin schon (mehr als nötig) in unser Gedächtnis eingebrannt. Nein, Moore zeigt vor allem Bush. Wie er in der Grundschule in Florida sitzt, in einem Kinderbuch liest und vom zweiten Flugzeugcrash hört. Was denkt er nur in diesem Moment, fragt Moore sich und den Zuschauer. Denkt Bush daran, was er hätte besser machen müssen?

Moore sieht weiter hin, verdeutlicht die Beziehungen zwischen den USA und den Saudis, zwischen den Bushs und den Bin Ladens, zwischen Öl und Marschbefehl. Er zeichnet das wahnwitzige Angstmachen vor Terroranschlägen, die blinde Suche nach den Bösen und steigt mit dem fassungslosen Zuschauer in das Kapitel Irakkrieg ein. Und seine Bilder sind schonungslos. Zerschmetterte Kinderarme, unschuldig verletzte Zivilisten, irrsinnige US-Soldaten, die ihre Opfer demütigen und bei ihren Angriffen den CD-Player im Panzer laut drehen, Lieblingslied: "The Roof is on Fire - Burn, motherfucker, burn"... Und immer wieder hopst dieser dummdreiste Texaner durchs Bild, der seine schneidigen aber dennoch widersprüchlichen Floskeln gerne aus stereotypen Westernklassikern zitiert und nach einem wichtigem Statement mal eben schnell noch einen wundervollen Golfschlag vollführt. "Now watch this drive..."

"F 9/11" ist eine interessante Dokumentation. Moores Meisterwerk ist er allerdings nicht, und ein Cannes-Gewinner sollte auch anders aussehen. Sein geldgeiler Protagonist bietet dem Film so viel Angriffsfläche, so viele wundersame Original-Aufnahmen, dass Moores Erzählkunst ins Hintertreffen gerät. Das ist nicht schlimm, großartig ist es aber auch nicht. Während "Bowling for Columbine" einer der unterhaltsamsten Filme der letzten Jahre war, ist "F 9/11" (natürlich auch wegen seines weitaus düstereren Themas) nicht gerade eine narrative und spaßbringende Offenbarung. Das wäre auch nicht weiter tragisch, wenn Michael Moore in den gesamten 114 Filmminuten mit Argumenten überzeugen würde. Moore aber vertraut dieser Möglichkeit nicht genug und lässt "F 9/11" zeitweise zu sehr ins Emotionale kippen. Dann etwa, wenn er die Mutter eines gefallenen US-Soldaten den letzten Brief des Sohnes vorliest und mit dem Filmemacher tränenüberströmt vor dem Weißen Haus paradiert. Oder aber wenn Moore wieder die ausgebeutete Armut seiner Heimatstadt Flint einbaut. Das hatten wir schon. Sowohl in seinen Büchern (vor allem in "Downsize Me") als auch in "The Big One" und "Bowling for Columbine". Und irgendwann wissen wir's auch mal. Nur gut, dass Herr Moore am Ende dann doch noch die Kurve kriegt und die Kongressabgeordneten auf der Straße in Washington anquatscht und sie bittet, ihre eigenen Kinder in den Irak zu schicken. In solchen Momenten ist Moore immer wieder sehenswert.

Bleibt nur noch abzuwarten, wer im Herbst das Rennen machen wird. Falls es überhaupt noch nötig sein sollte: Moore hat seinen Teil zum Wahlkampf beigetragen... 2

(js 6/04) Schaurig schön ist's übers Moor zu gehn. Denken sich die Dubinskys, ostdeutsche Touristen auf Urlaubsreise in England. Sie tapsen durch die gruselig-neblige Schwarzweiß-Kulisse und fragen sich wortreich, wieso sie nicht gleich im farblosen Bitterfeld geblieben sind. Doch es kommt schlimmer. Doris Dubinsky (Anke Engelke) wird von einem blinden Tauben entführt, nachdem der Mönch mit der Peitsche von einem Kleinlaster überfahren wurde. "Hier spricht Edgar Wallace sein Nachbar" tönt es aus dem Off. Und an dem, was nun folgt, hätte wahrscheinlich auch der echte Wallace seine Freude gehabt.

Oliver Kalkofe, das inzwischen bekannteste Lästermaul des deutschen Farbfernsehens, Bastian Pastewka, der einstige Brisko Schneider und Oliver Welke haben ihre komödiantische Kreativität in einen Pool geschmissen und die fast unendlich vielen Edgar-Wallace-Krimis der 60er Jahren persifliert. Zur Verfilmung haben sie einige der angesagtesten Witzbolde der Nation auf das Set in der Tschechei geholt und in liebevoll gestalteter Kulisse ihren "Wixxer" gedreht. Und der kann sich durchaus sehen lassen. Aber erstmal zur Geschichte:

Frau Dubinsky wird in Blackwhite Castle eingesperrt und zu einem unfreiwilligen Girlgroup-Casting des Schlossherrn, Earl of Cockwood (Thomas Fritsch), verdonnert. Herr Dubinsky (Oli Dittrich) hat den Mord an dem Peitsche schwingenden Kapuziner gesehen und ist somit Zeuge für die beiden ungleichen Scotland Yard Detectives Long (Pastewka) und Even Longer (Kalkofe). Die kombinieren messerscharf, wer da einen irren Verbrecher nach dem anderen aus der Londoner Unterwelt

räumt - niemand geringeres als der totenköpfige Wixxer. Jetzt führen alle Spuren in die Mopsfarm von Blackwhite Castle.

Sinnlos? Klar, schließlich haben wir es hier nicht bloß mit einer ehrfürchtigen Hommage sondern mit einer gezielten Parodie auf die Welt des Wallace zu tun. Und Kalkofe, Pastewka und Welke machen zu keiner Sekunde einen Hehl daraus, wer Pate steht bei ihrer Art des Humors. Schnell wird klar, dass das Trio Zucker/Abraham/Zucker ("Die nackte Kanone") zu den Vorbildern der drei deutschen Drehbuchschreiber gehört. Und angesichts des verbreiteten Humors im aktuellen deutschen (Komödien-) Kino tut dieser ZAZ-Touch ziemlich gut. Keine harmlos-erotischen Beziehungsdramulette, kein homosexueller Metzgermeister und keine emanzipatorischen Flachwitzeleien geben hier den Ton an. Hier befinden wir uns in der Welt des Klamauks, und in der kann man es zeitweise ganz gut aushalten. Das liegt wiederum an der Detailverliebtheit der Filmemacher. Sie kennen die Wallace-Vorlagen in- und auswendig, mögen sie sehr und erweisen ihnen hinter all den Ulkeleien allergrößte Reverenz.

"Der Wixxer" ist vielleicht die beste deutsche Satire seit Jahren und hätte sogar ein richtiger Knaller werden können. Wenn, ja wenn die Drehbuchschreiber den Mut gehabt hätten, nicht alle 30 Sekunden einen Lacher zu produzieren. In einigen Pointen ist der Film großartig, manche Gags sitzen einfach perfekt. Andere jedoch sind überflüssig und ziehen die ganze Geschichte in eine billige Form des Slapstick, die ihm nicht immer gut tut. Der Zuschauer hätte dem "Wixxer" einige Lachpausen durchaus verziehen. Und so kann man vielen Stärken des Films auch einige Schwächen entgegen halten. Neben den guten Darstellern wie Kalkofe, Fritsch, Dittrich und Käpt'n Blaubär gibt es auch überdrehte Rollen. Pastewka befindet sich dabei auf einer Gratwanderung zwischen zu albern und eben doch sehr lustig. Thomas Heinze als ehemaliger Kalkofe-Kollege Rather Short ist ziemlich affig, und auch Frau Engelke gehört - gerade in der Eröffnungssequenz - das Plappermaul gestopft. Was ja übrigens auch für ihre von Tag zu Tag schlechter werdenden Late-Night-Auftritte gilt. Gott sei Dank gibt es da noch den großen Gewinner der "Wixxer"-Figuren. Alfons Hatler heißt er, wird von (Lady-) Kracher Christoph M. Hebst gespielt, und hat die besten Momente des Films auf seiner Seite. Als Butler im Hitler-Look ist er einfach nicht zu übertreffen. Nett auch die selbstironischen Cameos von den Wildecker Herzbuben, Günter Jauch, den No Angels und Grit Böttcher.

Doch auch die Machart des "Wixxers" sollte nicht unerwähnt bleiben. Die liebevolle Ausstattung, die grandiose Idee des Schwarzweiß-Schlosses sowie die netten Comic-Elemente im Vorspann und bei der Konferenz der großen Bösewichte machen den Film auch zu einem ästhetischen Genuss. 2-

Grandios: Die Doppel-DVD Special Edition, in der Hatler durchs Menü führt (sic)!

(js 10/04) Da pressen sich schon mit 17 Millionen Menschen in ein Tal, und trotzdem lebt jeder für sich allein. Was für Martin Scorseses "Taxi Driver" die Straßenschluchten von New York sind, ist für Michael Mann Los Angeles, die Stadt der Engel mit dem Glamour von Hollywood auf der einen Seite, dem äußerst wackeligen Boden auf der anderen Seite. Hier dreht der ordnungsliebende Taxifahrer Max (für den Oscar nominiert: Jamie Foxx) seine tristen Runden, ist ausgesprochen selbstlos und hilfsbereit und fantasiert sich alle paar Minuten auf eine Malediveninsel. Als Entspannung und Flucht vom bedrückenden Einerlei auf dem Asphalt der Metropole. Taxifahren, so macht er uns weiß, ist nur eine Übergangslösung für Max. Bis er das Geld zusammen hat, sich selbständig zum machen und seinen "Island"-Limo-Service zu gründen. Träume muss man haben, auch in Greifweite Hollywoods...

Der letzte Fahrgast des Abends jedoch raubt dem Mann am Steuer jegliche Illusionen von einer menschlichen Restwärme in LA. Vincent (Tom Cruise) ist kein Gast wie jeder andere. Er mietet sich Max' Taxi für die gesamte Nacht, möchte fünf Freunden einen "Besuch" abstatten und zahlt dem Insel-Träumer 600 Dollar für seine Dienste. Nur dumm, dass nach jedem von Vincents Hausbesuchen eine weitere Schublade im Leichenschauhaus geöffnet werden muss. Vincent ist Auftragskiller. Kühl wie sein Erscheinungsbild, abgebrüht wie ein Terminator. Wenn Tausende in Ruanda sterben, wen stört's? Wenn hingegen ein Gangster tot zuerst auf dem Dach und schließlich im Kofferraum des Taxis landet, dann soll's plötzlich schlimm sein? So in etwa lautet die Philosophie des Nihilisten Vincent. Er kennt seine Opfer nicht, folglich berühren ihn die Todesfälle in seiner Gegenwart nicht. Getötet werden seine "Ziele" schließlich nicht von ihm, sondern von der Kugel seiner Knarre. Vincent drückt lediglich ab...

Für Max entwickelt sich diese nächtliche Tour zum Höllentrip. Er muss mit ansehen, wie Vincent einen nach dem anderen kalt macht. Und er kann nichts dagegen tun. Je mehr er es versucht, desto mehr Unschuldige müssen auch noch dran glauben. Kollateralschäden eben. Erst beim letzten Opfer kann Max richtig aktiv werden, und das auch nur, weil Vincents letzter Auftrag Max persönlich berührt. Hier kommt es zum großen Showdown, bei dem Max selbst zum Täter wird. Dass Vincent beim Schlussbild tot und unbemerkt in der U-Bahn sitzt, ist nur eine logische Konsequenz aus dem vorher Gezeigten.

Die Kritiker lieben Michael Mann. Wenn der Macher von "Miami Vice" einen neuen Film absondert, überschlagen sich die Jubelschreie geradezu. Komisch, ich selbst scheine gegen seine Filmsprache vollkommen immun zu sein. "Heat" und "The Insider" waren ganz nett, aber der richtige Funke ist niemals übergesprungen zu meinem Kinosessel. Ganz zu schweigen von der biografischen Schlaftablette "Ali" (2001). Und auch "Collateral" berührt mich nicht wirklich. Obwohl der Film durchaus seine guten Ansätze hat. Die Idee von der Einsamkeit inmitten der Menschenmasse, die Isolation und Hilflosigkeit zwischen all den Millionen. Doch was bei "Taxi Driver" noch grandios inszeniert wurde, wirkt bei Mann eher platt. Wenn es hier ans Philosophieren geht, wenn man bei einem nihilistischen Fahrgast wie Vincent überhaupt von so etwas reden kann, dann wirken die Dialoge doch arg bemüht. Der ach so gute schwarze Taxifahrer im Dialog mit dem ach so bösen grauen Herrn im Fond - wirkliche Tiefe wird hier nicht angesteuert. Schon die Figur des Bösewichts ist dafür zu eindimensional geraten. Die Leistung des Herrn Cruise beschränkt sich auf das Aufsetzen einer finsteren Miene unter mehlbestäubtem Haar und ein paar Sprints über die nächtlichen Straßen und Sprünge auf fahrende Züge, bei denen fast schon Erinnerungen an "Terminator 2" oder zumindest "Mission: Impossible" wach werden.

Okay, einigermaßen spannend wird es schon gegen Ende des Films. Diese Spannung gewinnt Michael Mann jedoch nicht aus dem (sprichwörtlich und sinnbildlich) schwarz-weißen Psychoduell zwischen dem Wahnsinnigen und dem Gutherzigen. Er lässt "Collateral" in seinem Showdown zu einem konventionellen Actionfilm verkommen. Ach ja, und da ist dann noch die Frage, die sich jeder bereits am Anfang stellt, und die es bis zum Ende krampfhaft auszublenden gilt: Warum hat sich Vincent nicht einfach selbst ein Auto gemietet? Eine Antwort bleibt uns "Collateral" bei all seiner Geschwätzigkeit schuldig... 3-

(js 1/05)

Da ist sie also wieder. Die gute alte Bridget Jones, Heldin einer Heerschar von hysterischen Pummelchen. Na klar, das musste ja auch so kommen. Nachdem "Bridget Jones's Diary" vor drei Jahren nach der profitablen Buchausgabe auch zum großen Kassenhit der Kinosäle wurde, durfte Teil 2 natürlich nicht lange warten. Also musste Renée Zellweger, die patschfüßige Texanerin mit antrainiertem Brit-Akzent, wieder in ihre Paraderolle als trottelige Journalistin schlüpfen. Dafür musste sie wieder ordentlich futtern, wurde aber nicht weniger ordentlich entlohnt für ihre Fresskünste. Es war das Jahr der Zellweger: Im Februar holte sie sich in Los Angeles den Oscar als beste Nebendarstellerin ("Cold Mountain") ab, und jetzt der nächste Erfolg. Oder? Wenn überhaupt, dann nur kommerziell: Denn was sich Jones-Erfinderin Helen Fielding da ausgedacht hat, war vielleicht als Komumnensammlung oder Buch noch ganz nett (und passte so wunderbar in die heutige Lesekultur mit peinlichen Bestsellern der Marke "Mondscheintarif"), eine Verfilmung hätte aber nun wirklich nicht sein müssen. Na gut, "Bridget 2" hat durchaus seine Momente und funktioniert als amüsante Komödie um ein peinliches Pummelchen und seine Abenteuer. Aber viel Neues wird nicht erzählt aus dem Leben der Jones. Lediglich die Lokalitäten sind anders: Bridget blamiert sich nicht nur in ihrer Heimatstadt London und Umgebung, dieses Mal lässt sie sich zu einer Skireise in die Schweiz überreden. Da kann sie dann nach Lust und Laune alberne Akrobatik auf zwei Brettern vorführen. Und da kann sie frohen Mutes in eine Apotheke schlendern und vor versammelter Mannschaft mit gebrochenem Deutsch einen Schwangerschaftstest bestellen. Aber es geht noch weiter: Die nächste Reise führt sie nach Thailand, gemeinsam mit dem bereits im 1. Film abgeschossenen Hallodri-Lover Daniel (Hugh Grant). Da kann sie so richtig die Sau rauslassen, Drogen konsumieren und am Ende noch wochenlang im Knast landen und dort den Insassinnen alte Hits von Madonna beibringen. Wenn das kein Spaß ist! Okay, es ist durchaus spaßig. Aber eigentlich passiert in "Bridget 2" haargenau dasselbe wie in "Bridget 1". Die Protagonistin hat Probleme mit ihren beiden Männern und wird am sich am Ende für den richtigen von beiden entscheiden. Dazwischen geht jede Menge schief, allerhand Missgeschicke und Missverständnisse tragen sich zu, die beiden Männer prügeln sich um sie, und am Ende wird das Tagebuch mit freudigem Grinsen zugeschlagen. Ach wie schön. 4

Was war das für ein S(c)hrecken, als die liebreizende Prinzessin Fiona im ersten Teil von "Shrek" anfing, mit einem Vögelchen im Duett zu singen. Alles sah danach aus, als würde die bis dahin so herrlich freche Märchenparodie doch noch zu einem Disneyesquen Schmalzbrei zerfließen. Gottlob kam die Wendung: Der Vogel platzte und die Oger-Mär stellte klar, wo sie hin wollte. Jetzt kommt "Shrek 2", und ganz ohne Gesang geht es dieses Mal leider nicht. Trotzdem: Auch die Fortsetzung der Knallerkomödie von 2001 ist absolut gelungen.

Auch nach der Hochzeit sind Shrek und seine inzwischen selbst ergrünte Kumpanin Fiona glücklich verheiratet. In ihrem idyllischen Sumpf furzen sie genüsslich um die Wette und machen das, was verliebte Oger eben so tun. Alles könnte so schön sein, wenn, ja wenn Fiona nicht eine Prinzessin

wäre, deren Eltern sehnsüchtigst auf ein Treffen mit ihrem Schwiegersohn warteten. Die Zusammenkunft wird vereinbart, der Eklat ist vorprogrammiert. Ein Grünling mit "juckender Kimme" - begleitet von einem dauerplappernden Esel - ist schließlich alles andere als standesgemäß. Vor allem Fionas Vater, König Harold, hat so seine Probleme mit dem Sumpfbewohner...

Die Geschichte selbst gibt weniger her als die des Originals. "Shrek 2" hat bei Weitem nicht die Originalität des ersten Teils. Wie auch? Dennoch wimmelt es hier nur so von skurrilen Einfällen, grandiosen Pointen, einem Füllhorn von gelungenen Filmzitaten und herzallerliebsten (neuen) Figuren wie dem Gestiefelten Kater, einem Möchtegern-Zorro, der doch nichts weiter als ein possierliches Miezekätzchen ist. Auch "Shrek 2" ist urkomisch und für eine Fortsetzung doch sehr gut gelungen. 2+

(js 2/05) Ich bin ehrlich: Die Bullyparade war nie ganz mein Fall, bei dem "Schuh des Manitu" habe ich manchmal gelacht - richtig gut fand ich ihn jedoch in keiner Sekunde. Und jetzt kommt der neue Herbig-Film daher. Ein Knaller ist er sicher auch nicht. Aber immerhin schlägt er seinen Vorgänger um Längen. Erstaunlich, aber wahr. Kurz zur Geschichte: Die Weltraumtunten vom Raumschiff Surprise müssen in die Vergangenheit reisen, um einen Ufo-Fund im Jahre 2004 zu verhindern. Dem folgte nämlich damals die Besiedelung des Mars, und dessen Bewohner haben jetzt zum Krieg gegen Mutter Erde aufgerüstet. Neben Bully und seinen Kollegen aus der Fernsehshow mischen bei dem nun folgenden Spektakel noch Til Schweiger, Anja Kling, Sky Dumont und Christof Maria Herbst mit. Meistens ist das alles auch ganz lustig, oft natürlich albern. Aber insgesamt ist die Weltraumposse der bisher beste Bullyfilm. Und eines muss man ihm ja lassen: Herbig ist ein unheimlich guter Regisseur, dessen Filme durchaus nach mehr aussehen als nach deutschem Comedy-Einerlei. Hier ist ein absoluter Profi am Werk. Warten wir mal ab, ich würde mich nicht wundern, wenn er eines Tages in Hollywood landen würde... 3+

(js 5/04) Held heißt Achilles, wird gespielt vom durchtrainiertesten Brad Pitt seit Jahren, und liegt natürlich in der Koje. Nicht allein, gleich zwei Frauen räkeln sich im Schatten seiner gestählten Pomuskeln. Achilles ist nackt, und wenn er nicht gerade mit knackiger Rüstung im Kampf ist, zieht er permanent blank in Wolfgang Petersens millionenteurer Schwert- und Muskelshow.

Eigentlich sollte man meinen, Homers "Ilias" sei unverfilmbar. Ein Jahrzehnt lang dauerte der Kampf um Troja, ein Hollywood-Streifen gibt ihm gerade mal zwei Wochen. Muss ja auch sein, wegen der dramaturgischen Dichte und so. Muss das wirklich sein? Dann darf man sich eben nicht an den alten Griechen versuchen. Zu diesem Entschluss hätten Petersen und Co. jedenfalls schon in der mühseligen Vorbereitungsphase kommen sollen, denn das Resultat, dieses großformatige Filmspektakel, ist den großen Aufwand nicht wert gewesen. "Inspiriert von Homers 'Ilias'" drücken sich die Credits am Ende vorsichtig aus. Für eine solche Aussage ist "Troja" allerdings erschreckend uninspiriert geraten.

Die Geschichte in ein paar Zeilen: Der schöne trojanische Prinz Paris (Orlando Bloom, mit den besten Empfehlungen als Cover Boy für Gay-Magazine) schnappt sich die noch schönere Helena (darf immerhin mal in einem großen Film heulen und in die Kamera gucken: die Deutsche Diane Kruger), Königin von Sparta. Das lässt sich das Oberhaupt der Spartaner natürlich nicht gefallen, tut sich mit all den anderen Griechen zusammen und zieht in den Krieg gegen Troja. Mittendrin: Über-Soldat Achilles. Der mit der Sehne.

Am Geschichten oder gar Geschichte erzählen versucht sich "Troja" gar nicht erst. Alles was der Film macht, ist eine Schlacht nach der nächsten zu inszenieren. Möglichst nah ran mit der Kamera und auf ins Gemetzel. Petersen verlässt sich voll und ganz auf die Schlagkraft seiner Kampfszenen. So bombastisch wie möglich sollen sie daher kommen, die prügelsüchtigen Kriegsgegner. Wenn Petersens Flotte der Griechen mit 1000 Schiffen praktisch die gesamte Ägäis in Segeltuchweiß taucht, dann hätte selbst die spanische Armada zu ihren besten Zeiten schnell die Fluch ergriffen. Bombast ersetzt Inhalt. Darin beweist Petersens Film immerhin Stringenz. Und wenn es schon keinen Inhalt gibt, dann sollten wenigstens Emotionen drin sein. Sind sie aber nicht. "Troja" lässt den Zuschauer vollkommen kalt. Nicht einmal die beiden Liebesgeschichten haben auch nur den Hauch einer Chance, auf das Publikum zu wirken. Da wären zum einen Paris und Helena. Er ist das größte Weichei der Filmgeschichte und winselt vor allem peinlich durch die staubigen Kulissen. Klar, der bärtige Ex von Helena, Menelaos, war auch nicht gerade ein Traum von einem Mann. Aber muss es wirklich diese Gurke sein? War er diesen Krieg wert? Paar Nummer zwei sind Achilles und die Cousine seines Gegners Hektor. Das Problem hierbei ist nur, dass Achilles ein unerträglicher Stinkstiefel ist, der eben nur kämpfen, mosern und nackig posieren kann. Wie bitte soll einen das fersendurchbohrte Ende dieses Helden in den Armen seiner Liebsten ("Du hast mir Frieden gegeben") auch nur im Entferntesten berühren?

Das einzige, was an "Troja" funktioniert, sind die Schlachten. Die im großen Stil und die Einzelduelle. Aber darin ist Petersen nicht gerade erfinderisch. Er kopiert. Solche Szenen haben wir schon zuhauf gesehen. Ob in "Braveheart" oder im "Herrn der Ringe". Schlachten dieser Dimension sehen immer gleich aus und haben in den letzten Jahren schon eine eigene, verstaubt-öde Filmsprache bekommen. Möglichst viele Toneffekte, allgemeines Gewusel mit regelmäßigem Durchbohren von Köpfen und sonstigen Körperteilen. Als Nahaufnahme, versteht sich. Wer davon nicht schnell gelangweilt ist, sollte sich ernsthafte Sorgen um seinen Intellekt machen.

Und weil's mir so gut gefällt, darf jetzt mal ein Zitat von einem Kollegen diese Kritik beenden: "Troja ist ein Film, der keine einzige erinnerungswürdige Szene enthält. Mit Ausnahme derjenigen vielleicht, in der sich Pitt-Achilles nach einer Schlacht Stück für Stück entkleidet. Mit seiner Fokussierung auf knappe Kostüme, pralle Muskeln und schweißtreibende Action hatte der Sandalenfilm schon immer etwas von einem schwulen Softporno. Aber so voyeuristisch wie hier wurde der männliche Körper in einem Mainstreamfilm wohl noch nie zu einem Sexualobjekt gemacht. Wer mag, kann das als einen Akt der Gleichberechtigung feiern. Zu feiern gibt es an diesem Film sonst wenig." (taz) Stimmt genau. 4-

(js 6/04) Erstaunlich aber wahr: Unsere beiden "heißen" Hollywood-Exportartikel auf dem Regiestuhl liefern sich ein Duell an den internationalen Kinokassen. Wolfgang Petersen hat früher brav in Deutschland den einen oder anderen "Tatort" gedreht und in den USA teilweise ansehnliche Thriller wie "Outbreak" gedreht. Sein schwäbischer Kollege Emmerich hingegen hat sich mit dem Auswandern in die Vereinigten Staaten in einen der ekelhaftesten Patrioten der Neuen Welt verwandelt und hat filmische Scheußlichkeiten wie "Independence Day" verbrochen. Umso erstaunlicher, dass Emmerich den um Längen besseren der beiden Blockbuster des Sommers 2004 liefert.

Emmerichs Vision: Die Erwärmung der Erdatmosphäre hat ein ziemlich plötzliches Schmelzen der Polkappen ausgelöst, wodurch die Salz-/Süßwasserbalance aus den Fugen gerät und den Golfstrom stoppt. Oder so ähnlich. Wie genau das funktioniert, darüber sollen sich die Klimaforscher Gedanken machen. Einer von ihnen, Dr. Jack Hall (Dennis Quaid), tut dies bereits und hat schon sich schon vor den Politgrößen dieser Welt den Mund fusselig geredet. Nun sind seine Befürchtungen binnen weniger Tage traurige Realität geworden und die nördliche Hemisphäre steht vor einer neuen Eiszeit. Und wo es bisher kein schlechtes Wetter sondern nur schlechte Kleidung gab, hilft der altkluge Volksmund langsam auch nicht mehr weiter: Los Angeles wird von Tornados zerpflückt, New York von einer Flutwelle unter Wasser gesetzt - "Apokalypse Übermorgen". Der Klimaprofi und seine Kollegen rechnen sich aus, wie es weitergeht: Die unangenehmen Wetterkapriolen machen noch ein paar Tage so weiter, und anschließend wird es erst südlich des Mittelmeers und südlich des Rio Grande gemütlich. Nordland-Fans werden keine Freude mehr an ihren Lieblingsorten haben. Das ist das Szenario. Nicht gerade an den Haaren herbei gezogen, durch zeitliche Raffung jedoch reichlich übertrieben. So schnell wird das Klima uns dann doch nicht den Garaus machen. Aber wenn Wolfgang Petersen den Trojanischen Krieg von zehn Jahren auf zehn Tage kürzen darf, dann darf Emmerich das Jüngste Gericht erst recht vorverlegen.

Ach ja, und dann ist da noch eine Geschichte. Irgendwas muss der Film ja erzählen, um die typisch Emmerich'schen Spezialeffekte sinnvoll aneinander zu reihen. Besagter Klimaforscher will seinen Sohn Sam (Jake Gyllenhaal) aus der mehr und mehr verschneiten Bibliothek im Herzen Manhattans retten und begibt sich auf eine Odyssee durch die Kälte. Sinn macht diese Geschichte nicht, sie dient nur als Kitt für eben diese grandiosen Effekt-Shows aus Riesenwellen, tanzenden Tornados und einfrierenden Kerosinleitungen. An den meisten Stellen ist dieser Plot dünner als ein Zelluloidstreifen. Bloß nicht anfangen, daran zu reißen! Dennoch hat Emmerich seinen Inneren Patrioten ein wenig zu Hause gelassen. Der Präsident der USA stirbt recht schnell und kann nicht die widerlichen Sprüche lassen wie die unsägliche Bill-Pullman-Figur aus "Independence Day". Nein, die Amerikaner als Nichtunterzeichner des Kyoto-Potokolls kommen gar nicht mal so übermenschlich weg in "The Day After Tomorrow". Sie sind selbst Schuld an ihrem Schicksal, so die Botschaft. Erstaunlich kritisch für einen Herrn Emmerich. Und bei der "Rettung" einiger der Amerikaner war der Schwabe mit der Stars-and-Stripes-Bettwäsche sogar einen wenig originell: Hier stellt er unsere Welt einfach auf den Kopf. Die legendäre Rio Grande-(Rio Bravo)-Grenze zwischen den USA und Mexiko wird wieder Schauplatz einer großen Grenzflucht. Diesmal sind es die Mexikaner, die aufpassen müssen, dass nicht zu viele Amis "illegal" einreisen. Gar nicht mal so schlecht. 3+

(js 9/04) Wie schwul ist Deutschland? Das wollte die wertgeschätzte Bild-Zeitung kürzlich in ihrem tiefsten Sommerloch wissen und führte pünktlich zum Start des jüngsten Bully-Films "Raumschiff Surprise" (Millionen haben ihn gesehen, die Filmseite konnte sich bislang noch beherrschen) jede Menge Teutonisch-Tuntiges auf. Und schon wieder nimmt sich ein deutscher Film der Homosexualität an.

Diesmal weniger als Komödie, sondern vielmehr als adoleszentes Selbstfindungsdrama um das schwierige Coming Out des jungen Bayernbuben Tobi.

Ruderer Tobi (Robert Stadlober) hat sich hoffnungslos verliebt. Nicht in die "greifbare" Anke, sondern in seinen besten Freund und Ruderkollegen Achim (Kostja Ullmann). Ist er nun schwul, oder macht er einfach eine seltsame Phase durch? Tobi weiß es selbst nicht, freut sich aber um so mehr, dass er mit seiner Rudermannschaft zum Trainingscamp ins Bergische fährt und mit seinem Achim ein Zelt teilen darf... Im Camp heißt es nun Homo gegen Hetero. Gegen die bayerische Paddelcrew tritt neben sangesfreudigen Sachsenmädels noch ein Berliner Schwulenteam mit dem sinnigen Namen "QueerSchlag" an. Und wie es das Drehbuch so will, verliebt sich der Bayerncoach in die Trainerin der Paddeljungs und sorgen für jede Menge Begegnungen zwischen den Mannschaften.

Klar, dass die testosterongefüllte Luft an der Talsperre das ideale Ambiente für Tobis Coming Out bi

etet. Die erzwungene Beziehung zur holden Anke will so gar nicht in die Gänge kommen, und auch Achim distanziert sich mehr und mehr vom schrägen Tobi und wendet sich vielmehr seiner Freundin zu. Ein Tête-à-tête mit einem der "QueerSchläger" klärt schließlich die Fronten und bereitet Tobi darauf vor, endlich klaren Tisch zu machen mit seinen Freunden und sich selbst.

"Sommersturm" ist ein netter, feinfühliger Film mit guten Darstellerleistungen, der sich auf angenehme Weise mit dem Thema Homosexualität auseinandersetzt. Dankenswerterweise verzichtet Regisseur Kreuzpainter auf die verbreitete Komödienmasche, mit der sich das deutsche Kino in den letzten Jahren oft genug des Themas angenommen hat (siehe "Der bewegte Mann", "Echte Kerle" und Co.). Trotzdem erspart er dem Zuschauer ein schwergängiges oder didaktisch-verkitschtes Schwulen-Drama à la "Philadelphia" und setzt auf eine locker-amüsante Erzählweise. Die macht das Ganze recht unterhaltsam und bleibt dabei durchaus authentisch. Richtig herausragend ist diese Erzählweise allerdings nicht. Viel zu sehr orientiert sich die Pro-Sieben-Koproduktion an bisherigen Kinoerfolgen à la "Crazy" und ähnlichen TV-Premieren. Ähnliches gilt für Robert Stadlober. Er ist ein ganz guter Schauspieler, großartig ist er allerdings (noch?) nicht. Sein Tobi ist vielleicht schwul, ansonsten aber fehlen die deutlichen Unterschiede zu seiner Paraderolle des Benni im eben erwähnten "Crazy" (2000). Wie gesagt, nett anzusehen und durchaus sehenswert ist "Sommersturm" allemal. 2-

Das hätte ich ihm auch vorher sagen können. Genauer gesagt vor zwei Jahren. Als Peter Parker (Tobey Maguire) auf dem Friedhof seiner großen Liebe Mary Jane (Kirsten Dunst) einen Kuss aufdrückte und sich gesenkten Hauptes, die Hände in den

Hosentaschen vergraben, davon schlich. Weg von einer gemeinsamen Zukunft mit seiner Herzallerliebsten, hin zu einem Leben, in dem er sich im rot-blauen Spinnenkostüm als Spider-Man, Kämpfer für die gerechte Sache, mit allerlei fiesem Gesocks rumschlagen muss. Dass das nicht einfach werden würde, das lag ja wohl auf der Hand.
Jetzt, zwei Jahre später, treffen wir Peter wieder. In Sam Raimis "Spider-Man 2", der Fortsetzung des Blockbusters von 2002 (siehe Archiv!). Peter wohnt nicht mehr bei Tantchen, sondern in einer heruntergekommenen Mietskaserne, verdient sich seinen Lebensunterhalt als freier Fotograf und Pizzabote und versucht nebenbei noch sein Studium zu meistern. Das wäre schon so nicht wirklich einfach, doch muss Parker ja immer noch seiner Lebensaufgabe als Spider-Man nachkommen und auf Verbrecherjagd rasant durch New Yorks Häuserschluchten schwingen. Eine nerven- und zeitaufwendige Nebenbeschäftigung. Demzufolge läuft eigentlich auch nichts so richtig rund im Leben des jungen Mannes. Ein intaktes Privatleben ist bei der Nebenbeschäftigung ohnehin von vorneherein ausgeschlossen. Da kann er sich noch so sehr nach der süßen Mary Jane verzehren. Die wartet halt denn auch nicht ewig und hat demzufolge schon einen neuen Freund an ihrer Seite. Peter hat im Jahr Zwei seiner Superhelden-Laufbahn daher schnell die Schnauze voll. Als dann zu allem Überfluss auch noch sein großes Vorbild, der Wissenschaftler Otto Octavius (Alfred Molina, "Frida") bei einem fehlgeschlagenen Experiment zur tentakelschwingenden Menschmaschine mit Allmachtsphantasien mutiert, reicht es dem jungen Helden. Er haut das Spinnenkostüm sprichwörtlich in die Tonne und versucht wieder ein ganz normales Leben zu führen. Das klappt natürlich nicht auf Dauer (hätte ich ihm auch vorher sagen können). Held bleibt eben Held. Alsbald befindet sich denn auch Mary Jane in den Krallen von Doc Ock wieder und Spidey muss abermals seine Fäden spinnen um New York vor dem Untergang zu retten.
Im Gegensatz zum ersten Teil schwingt sich der Spinnenmann-Blockbuster dieses Mal befreiter durch die Handlung als noch vor zwei Jahren. Zwar unterscheidet sich diese im Prinzip nicht sonderlich von der des ersten Teils (Wissenschaftler wird zum verrückten Monster, Parkers Freundin in Gefahr, Held im Gewissenskonflikt, Showdown in der Innenstadt), dennoch gelingt Sam Raimi ein Spagat, an dem letztlich eben so viele Hollywood-Blockbuster scheitern: Er verbindet gekonnt tricktechnisches Action-Feuerwerk mit einigermaßen subtiler Charakterzeichnung und Handlung und schafft es somit kinderleicht beim Zuschauer Sympathien für den leidgeprüften Netzschwinger zu entfachen. Mit dem begabten Tobey Maguire (der zudem ungeahnte Slapstick-Talente offenbart) und der schnuckeligen (und nicht weniger talentierten) Kirsten Dunst stehen aber auch zwei Protagonisten im Mittelpunkt der Handlung, die selbst in den Momenten, in denen kein Bösewicht im Schatten dräut, den Zuschauer zu fesseln wissen. So bleibt ein Sommerfilm, den man auch als Nicht-Comic-Kenner mit mehr als nur einem zufriedenen Nicken verlassen kann. 2+

Aber er ist um unsere Missetat willen verwundet und um unserer Sünde willen zerschlagen. Durch seine Wunden werden wir geheilt.

(js 3/04) Mit diesem Bibelzitat startet Mel Gibson in den wohl meist diskutierten Film des noch jungen Kinojahres. Und so viel vorweg: Wenn uns die Wunden des Film-Heilands tatsächlich heilen sollten, dann müssten nach 127 Minuten lauter quicklebendige und unglaublich gesunde Zuschauer aus den Kinoreihen springen und himmelhoch jauchzen. Denn eines wird Jesus in dieser Passionsgeschichte: verwundet. Und zwar so sehr, wie noch kein Filmheld vor ihm. In "The Passion of the Christ" dürfte der religionsgründende Gottessohn locker 12 Liter Blut verlieren...

Gibson zeigt nur die letzten Stunden aus dem Leben Jesu. In wenigen kurzen Rückblenden wird auf diverse Zimmermanns- und Heilgeschichten und das letzte Abendmahl angespielt. Mehr sehen wir nicht vom glanzvollen Christus. Der Film setzt im Garten Gethsemane ein, einer Pappkulisse mit billigen Mondscheineffekten. Jesus (Papst-Besucher Jim Caviezel) redet mit Gott, während die Jünger ein Nickerchen machen. Was er sagt, können die Bibelfesten unter uns vielleicht auswendig simultan übersetzen. Ich jedoch muss Untertitel lesen. Der Film ist ein echter "OmU", alle sprechen Aramäisch oder, wenn Römer auf die Bühne kommen, Lateinisch. Judas, der heute so gern metaphorisch bemühte Verräter, waltet seines Amtes, während Jesus mit schlafenden Jüngern und einem androgynen Teufel kämpfen muss. Jesus wird festgenommen, der erste Eimer Filmblut wird ausgeschenkt. Hier ist es lediglich das Ohr eines Hohepriesters, das von einem Schwert abgeschlagen und vom Heiland wieder drangezaubert wird. Jesus wird festgenommen, drei Mal von Petrus verleugnet und kommt vor den Hohen Rat, der ihn zu Pontius Pilatus schleift. Der römische Statthalter will den "Gotteslästerer" nicht wirklich hinrichten und schickt ihn erst einmal zu Herodes. Der schickt ihn zurück, Pilatus lässt die Juden entscheiden, wer sterben soll: Jesus oder der garstige Mörder Barabbas. Jesus soll's sein, da ist sich der Mob einig. Pilatus wäscht seine Hände in Unschuld.

Und nun geht's erst so richtig los: Christus wird gepeitscht und gegeißelt. Ein naiver Zuschauer wie ich wundert sich, dass ein Mensch das überleben kann. Die Folterwerkzeuge verhaken sich im Körper des Mannes und reißen tiefe Wunden in sein Fleisch. Und wir sehen alles, möglichst sogar in Nahaufnahme und mit passenden Geräuscheffekten. "The Passion of the Christ" ist widerwärtig realistisch, der Schmerz des Protagonisten überträgt sich eins zu eins auf den Zuschauer. Und das tut weh.

Es geht aber weiter. Schließlich müssen noch 90 Filmminuten erzählt bzw. durchlitten werden, bis der Heiland auferstehen kann. Jesus wird zur Kreuzigung geschickt. Auf dem beschwerlichen Weg wird er weiter gepeitscht und misshandelt, fliegt in den Dreck, bricht zusammen. Es geht aber immer noch weiter: Die Kreuzigung wird noch mal so richtig deutlich präsentiert. Der Nagel in die linke Hand mit Blutfontäne ist allerdings erst der Anfang. Nein, nein, lieber Zuschauer, Gibson entlässt dich noch nicht. Auch der Nagel in die rechte Hand muss deutlich gezeigt werden, und den in den Fuß sollte man auch nicht verpassen...

Mel Gibsons Film ist mit Abstand das körperlich Grausamste, was die Filmgeschichte zu bieten hat. Jesus leidet übermenschlich während der Zuschauer seine Würgreflexen unter Kontrolle halten muss. Die Peinigung der Christus-Gestalt wirkt furchtbar authentisch, wenn auch stark überzogen. Intellektuell leistet "The Passion of the Christ" jedoch rein gar nichts. Er interpretiert nicht, wagt keine inhaltlichen Experimente wie etwa Martin Scorsese in "The Last Tempation". Er bedient sich bewährter Ikonographie und ist unglaublich plakativ - am Ende darf eine ordentliche Pietà natürlich nicht fehlen. Das einzige, was Gibson hinzu selbst dichtet, ist das regelmäßige Auftreten von Teufeln und Dämonen. Und das ist unglaublich billig, schlecht und vollkommen unnötig. Was auch auf den gesamten Film zutrifft. Abgesehen von der Originalsprache gibt es nichts Sehenswertes in der "Passion". Man muss ihn keinesfalls gesehen, pardon: durchlitten, haben. Bekehren kann er niemanden. Er greift höchstens das von der katholischen Kirche lange bewährte Konzept der Einschüchterung, des Angstmachens, auf. Aber mal ehrlich: Wer will so etwas im Jahre 2004 wirklich noch sehen? 5-

Littleton. Erfurt. Namen von Kleinstädten, aus denen Chiffren des Schreckens, der sinnlosen Gewalt geworden sind. Orte, in die das Unfassbare einbrach, weil Schüler ihre Mitschüler und Lehrer einfach abschlachteten. Einmal, 1999, in den USA; das andere Mal, 2002, in Deutschland. Zwei Länder mit ganz unterschiedlicher Mentalität, mit unterschiedlichen Waffengesetzen sowieso. Was also steht hinter solchen Massakern - eine existenzielle Verzweiflung? Oder doch eher die strukturelle Gewalt des durchkapitalisierten Westens?
    Gus van Sant ("My Private Idaho", "Good Will Hunting") gibt uns darauf keine Antwort. Sein neuer Film "Elephant", deutlich angelehnt an die Ereignisse an der Columbia Highschool in Littleton, zeigt die unspektakulären Stunden vor dem großen Morden - als betörend-irritierend-schöne Montage von Alltagssequenzen, als luftig-leichte Sonate in herbstgoldenen Farben. Nichts, aber auch gar nichts scheint uns auf die Ursachen dafür zu hinzuweisen, warum sich zwei pubertierende Jungs einen Haufen Pumpguns per Waffenkatalog bestellen und dann in ihre Schule spazieren, um diese tödlichst auszuprobieren. Die Schule ist großzügig angelegt, die Lehrer sind freundlich, die Umgebung ist nett. Es gibt eine Bibliothek, ein
Fotolabor und eine moderne Kantine.
    Stilprinzip von "Elephant" ist es, mit der Kamera für eine Weile den Wegen bestimmter Schüler zu folgen, um sich dann - nach einem Rückgang auf der Zeitachse - anderen Personen zu widmen. Auf diese Weise sieht man dieselben Ereignisse zuweilen aus zwei oder sogar drei Perspektiven. Aber auch das erklärt die Morde nicht. Es zeigt stattdessen, dass es nirgendwo schlüssige monokausale Erklärungen für Handlungen geben kann, die jenseits aller Norm und Rationalität liegen. Nur einmal greift van Sant daneben: Da zeigt er einen der beiden Jungen, wie er sich am Computer bei einem gewalttätigen Ballerspiel vergnügt. Die Szene wäre besser weggefallen, weil sie denselben Irrtum suggeriert wie all jene "Experten", die nach dem Amoklauf von Erfurt in dem Ego-Shooter "Counterstrike" die Ursache sehen wollten. Bis bekannt wurde, dass der 19-jährige Robert Steinhäuser das Spiel gar nicht besessen hatte.
    Hintergründiger als von vielen Kritikern vermutet ist dagegen die Szene, die eine Nazi-Dokumentation in einem Fernseher zeigt, der bei den Jungen im Wohnzimmer steht. Sie unterstellt nicht faschistische Umtriebe an amerikanischen Schulen als Grund für das Massaker. Sie verweist vielmehr auf das psychologisch nicht deutbare Zusammenspiel von Hochkultur und Barbarei, wie es in der Geschichte der Menschheit häufig anzutreffen ist. In Auschwitz gab es NS-Befehlshaber, die ein Konzert des KZ-eigenen Mädchenorchersters leiteten - und unmittelbar danach in den Gaskammern aus grausige Werk gingen. In "Elephant" interpretiert einer der jugendlichen Täter kurz vor der Tat noch Beethovens Mondscheinsonate gefühlvoll auf dem Klavier. Es ist dieses unsagbar Widersprüchliche in der Struktur des Menschen und des Lebens, das Gus van Sant mit seiner meisterlichen Todesfuge zum Ausdruck bringt. 1-

(js 4/04) "Mut zur Hässlichkeit" - selten hat man diesen Spruch so regelmäßig gehört wie bei der Berichterstattung über den neuen Film mit Charlize Theron. Die Südafrikanerin hüpft von Pressekonferenz zu Pressekonferenz und lässt sich dafür feiern, dass sie gerade noch als hässliches Pummelchen über die Leinwand geflimmert ist und sich schon jetzt wieder als makellose Alabasterschönheit den Fragen der Journaille stellt. Der Film heißt "Monster" und hat der süßen Blonden nicht nur einhelliges Kritikerlob und bewundernde Blicke beschert, sondern auch den Golden Globe und einen Oscar als bester Hauptdarstellerin. Aus der zuckersüßen Theron wurde endlich ein

waschechter Hollywoodstar. Ob diese Form der PR wirklich so überraschend war, wie es uns das einstige Model glauben macht, sei dahin gestellt und ist eigentlich auch vollkommen belanglos. Schließlich ist ihre Leistung als männermordende Dirne durchaus sehenswert. Und dafür hätte sie gar nicht mal so viel Makeup gebraucht.

Klar, Aileen Wuornos, die 2002 gehenkte Antiheldin, auf der "Monster" basiert, war keine Sexbombe à la Theron. 14 zusätzliche Kilos, schiefe Zähne, abrasierte Augenbrauen und eine talgig-fleckige Hautschicht mussten einfach sein, um dem Vorbild ein wenig näher zu kommen. Doch ist es vor allem die Schauspielleistung, die aus Charlize Ailleen werden lässt. Der hektische Blick, eine krampfig-verzogene Mimik und ein maskulines Trampeln - das alles ist der Verdienst der Hauptdarstellerin, nicht der Maskenbildner. Der Oscar ist weitaus verdienter als der von Frau Kidman, die ihn auch nur wegen einer aufgeklebten Nase bekam... Und überhaupt: Charlize war auch schon in dem ersten Film gut, in dem sie ein breiteres Publikum hatte: Als Frau von Keanu Reeves in dem fantastischen "The Devil's Advocate" (1998).

Aber zum Film "Monster" selbst: Die Low-Budget-Produktion zeigt das, was Aileen in die Todeszelle brachte. Und das ist auf den ersten Blick tatsächlich das Tagebuch eines Monsters. Doch wie es so oft ist - der Blick hinter die Fassade gewährt weitaus differenziertere Ansichten. Aileen ist Prostituierte. Mit acht zum ersten Mal missbraucht, schnell vom schönen Lebenstraum in die bittere Realität abgerutscht. Ihr Leben ist ein Scherbenhaufen, sie will sich das Leben nehmen. Doch in letzter Sekunde kommt es anders, sie trifft auf Selby (nicht minder sehenswert: Christina Ricci), eine jugendliche Lesbe aus gutem Hause, die sich wegen ihres unkoscheren Lebenswandels mit ihrem Vater verstritten hat. Selby verliebt sich in die schroffe Aileen ("Lee") - und die genießt es in vollen Zügen, zum ersten Mal in ihrem Leben wirklich geliebt zu werden. Für eine Zukunft mit Selby würde sie alles machen. Dumm nur, dass sie vor einem Rendezvous mit der Liebsten übelst vergewaltigt, mit Benzin übergossen und fast noch angezündet wird. Aus Notwehr wird Lee zur Killerin. Die Spuren sind schnell verwischt, einem Weg fernab der Prostitution und der Gewalt steht scheinbar nichts mehr im Weg. Doch auch hier hat sich die vom Schicksal Gebeutelte geirrt. Denn eine Frau ohne Bildung und Lebenslauf möchte auch im Sonnenstaat Florida niemand einstellen... Immer weiter gerät Lee in den Strudel zwischen Ungerechtigkeiten, Forderungen der kleinen Freundin und zitternder Hand am Pistolenabzug. Insgesamt sieben Menschen stehen am Ende auf ihrer Todesliste, der Film beschränkt sich auf drei dieser Morde. Zum Glück, denn die sind schmerzhaft. Und von Mal zu Mal unverständlicher. Lees letztes Opfer ist sogar ein richtig netter Kerl, der ihr Hilfe anbietet - und dennoch sterben muss. Am Ende steht Lee als die böse Massenmörderin vor Gericht, die von der Liebe ihres Lebens verraten wurde.

Patty Jenkins hat einen interessanten kleinen Film gedreht, der von der Leistung seiner beiden Hauptdarstellerinnen getragen wird. Die Szenerie des Ganzen ist bedrückend und recht authentisch. Die Bilder von "Monster" scheinen fast über die gesamte Spiellänge nach schalem Bier zu stinken. Sicher ist die Geschichte der Aileen nicht gerade ein Film, den man sich mehrmals ansehen möchte. Ein Mal sollte man ihn sich aber ruhig "antun". 2

(js 4/04) Was war das für ein Schreck, als der bis dahin so wunderbar verträumte Tim Burton vor drei Jahren ein scheußliches Remake von "Planet of the Apes" präsentierte und damit seine herrlich infantile Seele an den Kommerz verkaufte. Schwamm drüber! Tim Burton ist zurück, mit seinem neuen Film ist er wieder ganz der Alte. Dieses Mal hat sich Hollywoods verschrobener Struwwelpeter auch wieder eine Vorlage herausgepickt, für die er einfach der richtige Mann ist: den Roman "Big Fish" von Daniel Wallace.

Will Bloom (Billy Crudup) hat abgeschlossen mit seinem Vater Edward (Albert Finney). Der hat sich sein Leben lang eine Biografie zurecht gesponnen, bei der selbst der Baron von Münchhausen gestaunt hätte. Auf seiner Hochzeit platzt Will der Kragen, als Edward sich mal wieder mit Nonsens in den Mittelpunkt stellt. Der junge Mann bricht den Kontakt ab und wird erst drei Jahre später wieder mit seinem Vater reden. Edward liegt nämlich im Sterben, hat Krebs in fortgeschrittenem Stadium. Will hofft, kurz vor dem Tod des alten Mannes doch noch den wahren Edward kennen zu lernen. Er will wissen, wie sich dessen Leben wirklich abgespielt hat.

Doch Edward (als junger Mann gespielt von Ewan McGregor) macht weiter wie eh und je. Er berichtet in lebendigen Fabeln von seiner ausgesprochen dynamischen Geburt bis zu seinen letzten Tagen im Krankenbett. Und seine Lebensgeschichte hat es in sich: Schon als Kind sieht Edward im Auge einer Hexe (Helena Bonham Carter), wie er eines Tages sterben wird. Er wächst schneller als alle anderen und muss deshalb drei Jahre lang das Bett hüten. Anschließend "zähmt" er einen Riesen (gespielt vom 2,30-m-Giganten Matthew McGlory), lernt das paradiesische Dorf Spectre und dessen "famosen" Dichter Winslow (Steve Buscemi) kennen und trifft nach einer Zirkusvorstellung die Liebe seines Lebens. Bis er die aber tatsächlich in seine Arme schließen kann, muss er geschlagene drei Jahre lang für einen werwölfigen Zirkusdirektor (Danny DeVito) malochen. Schließlich bekommt er seine Sandra (im Alter gespielt von Jessica Lange) natürlich noch. Ach ja: Und dann ist da immer wieder dieser unglaublich große Fisch...

Die Geschichten des Lügenbarons weiter nachzuerzählen, ist müßig und vollkommen unangebracht. Die sollte man sich schließlich ansehen - und genießen. Burtons Märchenstunde wartet immer wieder mit niedlichen bis fantastisch schönen Episoden auf, die uns den kauzigen Edward ans Herz wachsen lassen. Eins ist ja klar und ist an dieser Stelle wohl kaum ein "Spoiler": Auch Will wird die Fabulierkunst seines Vaters zu guter Letzt noch zu schätzen lernen und gemeinsam mit ihm ein wunderschönes, ergreifendes Ende für den Film komponieren. Die Poesie siegt am Ende über den Verstand und macht selbst den Tod des Helden zu einem märchenhaften Erlebnis. Tim Burtons "Big Fish" ist ein niedliches und liebenswertes Kinomärchen, das durchaus Verwandtschaft mit seinem "Edward Scissorhands" (1990) hat. Doch Vorsicht: Wer Burtons Hang zum Kitsch nicht mag, sollte dem Kinosessel auch hier wieder fern bleiben! 1

(js 2/04) Wie weit darf ein Film abweichen von der klassischen Chronologie der Erzählung? In den letzten Jahren wurde immer wieder an Filmen gebastelt, die sich eben nicht an die tatsächliche Reihenfolge der Ereignisse halten. "Memento" war da wohl der extremste Fall, bei dem die Szenen rückwärts montiert wurden. Und jetzt kommt der Mexikaner Iñárritu ("Amores Perros") daher mit "21 Grams". Ein Film, dessen seine Versatzstücke scheinbar wahllos auf dem Schneidetisch durchgemischt wurden. Hier gibt es fast gar keine geordnete Chronologie. Hier herrscht das blanke Chaos. So sieht es zumindest am Anfang aus. Immer wieder springt das Drama zwischen seinen Hauptfiguren hin und her. Bevor der Zuschauer sie endlich kennt und richtig einordnen kann, vergeht das erste Viertel des Films. Das ist ziemlich anstrengend, die Hirnakrobatik der Kinogänger wird aber umso mehr entlohnt.

Denn schon die Geschichte ist grandios: Jack Jordan (oscarnominiert: Benicio Del Toro), ein problembehafteter Ex-Knacki mit Hang zum religiösen Fanatismus, überfährt einen Mann und zwei Kinder. Die Witwe Christina Peck (oscarnominiert: Naomi Watts, "Mulholland Dr") spendet das Herz ihres Mannes an einen Totkranken. Der heißt Paul Rivers (Sean Penn), ist Collegeprofessor, und wartet schon lange auf ein Spenderorgan. Als die Operation gelingt, ändert sich Pauls Leben. Er verlässt seine Frau und macht sich auf die Suche nach dem anonymen Spender. Er trifft auf die trauernde Christina, verliebt sich in sie und verspricht ihr, den Unfallfahrer zu ermorden.

Das Puzzlespiel von Iñárritu geht dabei vollkommen auf. Stück für Stück erfahren wir mehr über die drei verdammt gut spielenden Hauptfiguren, die Geschichte müssen wir uns im Kopf zusammenbauen. Und das macht Spaß, selbst wenn es wirklich an die Grenzen des filmisch Machbaren geht. Und es ist spannend. Vor allem aber lebt "21 Grams" von den grandiosen Nah(st)aufnahmen von Penn, Watts und Del Toro. Wenn Christina vom Tod ihrer Familie erfährt, bleibt die Kamera ganz dicht dran. Die Trauer der Hinterbliebenen wird uns schmerzhaft spürbar gemacht. In solchen Szenen ist der Film so ziemlich das Intensivste, was die letzten Kinomonate zu bieten hatten. "21 Grams" dürfte in der breiten Masse auf wenig Gegenliebe stoßen. Denn bei all seiner Genialität ist er ziemlich harter Tobak. Aber eben perfekt. 1

(js 1/04) Bob (Matt Damon) und Walt (Greg Kinnear) sind seit 32 Jahren unzertrennlich. Die beiden Brüder haben auch keine andere Wahl - schließlich sind sie siamesische, pardon: verbundene Zwillinge. In ihrer beschaulichen Heimat Martha's Vineyard betreiben die beiden an der Hüfte Zusammengenähten einen Schnell-Burger-Imbiss und haben ihr Leben ziemlich gut im Griff. Selbst ein wenig Privatsphäre gönnen sie sich immer mal wieder, und auch die persönlichen Neigungen der beiden ungleichen Zwillinge dürfen nicht zu kurz kommen. Walt, der offensivere von ihnen, liebt die Schauspielerei und führt mit schöner Regelmäßigkeit Theaterstücke auf. Oftmals One-Man-Shows, bei denen es "kaum" auffällt, dass hinten am Protagonisten ein schwitzender Bob hängt. Der hat Lampenfieber und leidet an Panikattacken,

was ihm den Gang auf die so weltbedeutenden Bretter nicht gerade erleichtert. Ansonsten ist Bob zufrieden mit seinem Leben, Walt aber will hoch hinaus. Wie jeden Hobbymimen, jeden Soap-Star und so manche Tagesschau-Sprecherin zieht es ihn daher nach Hollywood. Nur dumm, dass nun auch Bob seine Heimat verlassen muss und unter der Sonne Kaliforniens auf Castingtour gehen muss. Schnell finden sich ein alternder Manager, Freunde, sogar ein ruhmreiches Rollenangebot und vor allem viele skurrile Möglichkeiten für Gags...

Es ist schon interessant, die Karriere der Farrelly-Brüder zu verfolgen. Denn die beiden Filmemacher mit Vorliebe für Freaks haben eine beachtliche Entwicklung durchgemacht in den letzten Jahren. War ihre Frühwerk ein Sammelsurium pubertärer Peinlichkeiten (etwa der schreckliche "Dumm und dümmer" oder der peinliche "Kingpin") und ihr Hit-Film "Verrückt nach Mary" immerhin zu einem großen Teil von Flatulenzhumor bestimmt, so haben sie mit "Shallow Hal - Schwer verliebt" (siehe Archiv) einen beachtlichen Schritt in Richtung Erwachsenwerden getan. Weniger Furz, weniger Freakshow, dafür mehr Herz und Verstand. Mit "Stuck on you - Unzertrennlich" haben sie ihren ersten komplett furzbefreiten Film gedreht. Zwar sind die Helden der Story immer noch freakige Außenseiter, ausgeschlachtet wird diese Tatsache jedoch nicht mehr. Die Farrellys erzählen eine rührende und unglaublich witzige Geschichte und haben jetzt endlich eine ganz nette Art des Filmemachens gefunden, ohne ihre alten Vorlieben ganz aus den Augen zu verlieren. Und die Darsteller? Die sind allesamt gut in Form: Matt Damon und vor allem Greg Kinnear (schon in "As Good As It Gets" ziemlich komisch) geben ein sehr amüsantes Zwillingsduo, Meryl Streep und Cher spielen sich selbst. Im Fall von Cher eine durchaus mutige Sache. Sie gibt eben jene zickige und unerträglich selbstverliebte Diva - eben die Person, für die man sie hält. Damit ein gehöriges Maß an Mut und Selbstironie. Fazit: Die Farrellys dürfen gerne weiter machen, ich bin dabei. 2

(js 01/04) Ein Provinz-Cop in Florida (Denzel Washington) hat eine leidenschaftliche Affäre mit einer verheirateten Frau. Die wird vom Gatten geschlagen und möchte am liebsten mit ihrem Lover ein neues Leben anfangen. Als der gute Cop ihr dafür beschlagnahmtes Geld leiht, wird's brenzlig: Die Frau und ihr bitterböser Mann verbrennen im eigenen Haus, der Cop muss ermitteln. Jetzt darf keiner von seinem Techtelmechtel mit dem Brandopfer erfahren, vor allem nicht die eiligst herbei gerufene Ex-Frau (Eva Mendes), die inzwischen seine Vorgesetzte ist. Natürlich geht das nicht lange gut, immer tiefer verstrickt sich der angekratzte Held im Lügengespinst. Noch schlimmer: Die Toten sind alles andere als Tod und wollten nur mit dem Batzen Geld von dannen ziehen.

Carl Franklins südstaatenschwüler Thriller ist ausgesprochen einfallslos und hätte kaum mehr als eine Videovermarktung verdient. Der zweifache Oscar-Preisträger Denzel Washington spult seine Rolle solide-langweilig ab, Eva Mendes gäbe als harter Vamp-Cop eine furchtbar eindimensionale Figur ab - wenn sie nicht ständig in enge Oberteile gesteckt worden wäre. Die machen sie immerhin zweidimensional. Ein überflüssiger Film, nicht weiter der Rede wert. 5

(js 3/04) Entweder man mag Ben Stiller, oder man mag ihn nicht. Ich glaube, damit sind alle seine Filme mehr oder weniger treffend beschrieben. Er spielt immer den gleichen Deppen von nebenan, gerät liebend gern in Liebeskummer und kann das so köstlich wie kaum einer seiner Kollegen spielen. So viel vorweg: Ich mag Ben Stiller. Keine Ahnung, warum. Vielleicht, weil er in einem meiner liebsten Filme der letzten Jahre, "The Royal Tenenbaums" so nette Trainingsanzüge getragen hat?

In "Along Came Polly" spielt er den sicherheitsliebenden Versicherungsangestellten Reuben, dessen Frau direkt nach der Hochzeitsnacht in der Karibik mit einem französischen Nudisten (Hank Azaria) durchbrennt. Geschockt kehrt Reuben zurück nach New York und versucht, sein Leben allein zu meistern. Bis er seiner früheren Schulkameradin Polly (Jennifer Aniston) über den Weg läuft. Die ist ganz und gar nicht sicherheitsliebend, eher spontan und unzuverlässig. Trotzdem wird aus den beiden ein - wenn auch ungleiches - Paar. Schade nur, dass die Angetraute auch noch wieder auftaucht und Reubens Pläne erneut durcheinander bringt.

Die Geschichte ist banal, doch die Komödie sitzt. Treffsichere Gags, nette Figuren (u.a. ein abgeschriebene Ex-Kinderstar, gespielt vom immer wieder sehenswerten Philip Seymour Hofmann) - "Along Came Polly" macht Spaß. Und wer jemals Geckos in seinem karibischen Hotelzimmer hatte oder nach scharfem Essen Magen-Darm-Probleme bekommen hat, der wird sich das eine oder andere Mal wiederfinden... 2

(js 3/04) Bei einem Jack-Nicholson-Film kann man eigentlich nicht viel falsch machen. Der wahrscheinlich präsenteste Schauspieler Hollywoods spult sein Können auf Kommando ab, und heraus kommt oft ein toller, zumindest aber ein netter Film. "Something's Gotta Give" gehört zu eben diesen den netten Komödien in der Filmographie des dreifach Oscar-Gekrönten. In keiner Filmsekunde kann er es aber mit echten Treffern wie "As Good As It Gets" (1997) aufnehmen. Schade eigentlich...

Harry (Jack Nicholson) ist 63, war nie verheiratet, nicht einmal verliebt. Frauen hat er trotzdem. Massenhaft sogar, und allesamt sind jünger als 30. Was anderes komm dem coolen Hip-Hop-Produzenten nicht in die Kiste. Als Harry ein paar kuschelige Stunden mit der schmucken Marin (Amanda Peet) verbringen möchte, komm sein Lebenswandel allerdings ziemlich ins Wanken. Im luxuriösen Strandhaus der neuen Flamme haben es sich nämlich auch deren Mutter Erica (Oscar-nominiert: Diane Keaton) und Tante (Frances McDormand) breit gemacht. Aus dem gemütlichen Wochenende wird aber ohnehin nichts: Im Viagrarausch bekomm der alternde Lover einen Herzinfarkt. Um wieder auf die Beine zu kommen, wird der Exzentriker für die nächsten Wochen bei Erica einquartiert. Der passt das ganz und gar nicht, schließlich hält sie ihn für einen alten Aufschneider. Natürlich ändert sich das schnell, die berühmte Broadway-Autorin und Langzeit-Geschiedene gewöhnt sich an ihren Gast und verliebt recht schnell in ihn. Harry kann zwar zunächst nichts mit einer Frau in seinem Alter anfangen, lässt sich aber doch noch auf eine Affäre ein und verliebt sich zu guter Letzt. Zwischendurch muss er zwar noch gegen einen jungen Arzt (mit dümmlichem Blick von Keanu Reeves gespielt) bestehen, und so weiter und so fort.

"Something's Gotta Give" ist genau das, was der Zuschauer erwartet. Eine nette Komödie mit netten Darstellern. Großartige Szenen sind selten, nach richtigen Lachern muss man schon suchen. Da bleiben leider vor allem die nervigen Szenen im Gedächtnis: Ein mindestens fünfminütiger Heulmarathon von Diane Keaton dürfte wohl als eines der Highlights des Films geplant worden sein. Das Ergebnis ist allerdings unerträglich. Typisch Diane Keaton eben. Auch die sonstige Dauerpräsentation der ach so jung gebliebenen Aktrice ist ziemlich penetrant. Nach spätestens zehn Filmminuten wissen wir, wie knackig sie geblieben ist. Das müsste sie uns nicht immer wieder aufs Neue zeigen. Also ist es wieder an Jack Nicholson, den Film sehenswert zu machen. Und darin ist er ja bereits bestens geübt. 3

(js 01/04) Warum ich niemals ein Buch von John Grisham lesen würde? Weil schon die Verfilmungen eines klar zeigen: Jede seiner Geschichten ist irgendwie gleich und allesamt kann man sich schenken. Immer dreht sich alles um einen ach so schlimmen Rechtsstreit, gerne einen Skandal, in dem Großkonzerne verstrickt sind. Und in den Filmen wird das Banale dann immer hinter großen Namen auf der Darstellerliste versteckt.

Neustes Beispiel: "Runaway Jury". Der deutsche Titel lautet "Das Urteil" sein, eine "Jury" gab's schließlich bereits vor knapp acht Jahren mit Sandra Bullock und Co. Mit von der Casting-Partie sind Dustin Hoffmann, Gene Hackman und John Cusack. Hoffmann ist der Anwalt der "guten Seite", Hackman ist Vertreter der "bösen" (Waffen-) Industrie. Die "Guten" wollen die "Bösen" dran kriegen, weil wieder so eine US-typische Schießerei einem unschuldigen Kind das Leben gekostet hat. Jetzt soll gleich die ganze Branche dafür büßen. Gut, dass es in Amerika die Juroren gibt. Noch besser, wenn man sie selbst aussuchen kann. Am aller besten ist es, wenn man sie noch nach Strich und Faden manipulieren kann. Und genau darum geht es in diesem Streifen, in dem John Cusack (diesmal ohne Schwester Joan) den augenscheinlich manipulierbaren Juroren mimt. Solide inszeniert, aber nun wirklich weder preisverdächtig noch mein Geschmack. 4

(js 2/04) Ach du dickes Ei! Anthony Minghella verfilmt eine tragische Liebesgeschichte vor dem Hintergrund des Amerikanischen Bürgerkriegs. Natürlich mit Starbesetzung und vor allem mit Überlänge. Minghella ist schließlich schon einmal gut gefahren mit einem ähnlichen Thema. Ein warmer Oscarregen war die Folge, selbst wenn die großen Gefühle des "Englischen Patienten" (1996) bei mir auf Granit gebissen haben. Öde war er, seltsam kühl und langatmig. Und jetzt noch mal das Ganze im Amerika der 1860er? Es hätte schlimm enden können - tat es aber nicht.

Aber jetzt erst zur Geschichte: Ada (Nicole Kidman) zieht mit ihrem Vater (Donald Sutherland) nach Cold Mountain in North Carolina. Das feine Pastorentöchterchen verguckt sich in einen wortkargen Beau namens Inman (oscarnominiert: Jude Law), einen echten Kerl mit siffigen Schweißrändern und großer Vorfreude auf den Bürgerkrieg. Inman ist ganz wild aufs Kämpfen, so wie jeder andere junge Mann im Ort. Auch er verliebt sich in die bleiche Ada. Mehr als ein kurzer Kuss soll's aber vorerst nicht werden bei den beiden Turteltäubchen. Kaum ist der Krieg da, ist Inman weg.

Als wäre es nicht schon schlimm genug für Ada, dass ihr feuriger Held nun in Schützengräben herumspringt, muss auch noch der Vater dran glauben. Der Wohnortwechsel hat seinem Herzen wohl doch nicht mehr helfen können, er stirbt. Nun ist Ada auf sich allein gestellt, kann aber eigentlich gar nichts. Okay, Klavier spielen hat sie gelernt, die Sternbilder kann sie allesamt benennen, Bibelverse kann sie zitieren. Malochen ist allerdings nicht gerade ihr Ding. Die Farm verwildert, das Geld wird knapper, Ada gammelt vor sich hin. Der einzige Lichtblick für das einsame Mädel ist die Hoffnung. Die Hoffnung auf Inmans Rückkehr. Die hat ihr sogar schon ein Zauberbrunnen prophezeit. Sie schreibt also Briefe. Monatelang, jahrelang. Antworten kommen nicht, und Schlusslicht Hoffnung stirbt so langsam vor sich hin. Bis Hilfsarbeiterin Ruby (oscarnominiert: Renée Zellweger) auf dem Gehöft erscheint. Der burschikose Bauerntrampel weiß, wie man eine Farm bewirtschaftet und schafft es tatsächlich, auch Ada zu einer durchaus brauchbaren Hilfe zu machen.

Währenddessen kämpft unser junger Held wie ein Berserker und wird schwer verwundet. Auch ihn lässt die Hoffnung auf ein Wiedersehen mit seiner Ada weiterleben. Nach mehreren Jahren auf dem Schlachtfeld will er endlich zurück und desertiert still und leise. Klar, dass er auf seiner Odyssee einiges durchstehen muss.

Wie es ausgeht, sollte hier nicht erwähnt werden. Ein plumpes Happyend gibt es aber gottlob nicht. Und von Plumpheit kann man eigentlich überhaupt nicht sprechen in diesem Film. Er ist solide inszeniert, bis in kleinste Nebenrollen toll besetzt (u.a. Philip Seymour Hoffmann und Natalie Portman) und hat eine nette Geschichte zu erzählen. Dabei wird er stellenweise so grausam "realistisch", wie es moderne Filme mit Kriegsthematik scheinbar sein müssen. Die zahlreichen Schlacht- und Folterszenen sind in ihrer Brutalität fürchterlich anzuschauen und machen wirklich keinen Spaß. Sollen sie ja auch nicht. Spaß machen lediglich einige Szenen mit Renée Zellweger. Ich sage es ja wirklich nicht gern (siehe "Chicago"-Kritik), aber sie macht ihre Sache wirklich gut und ist sehr amüsant.

Alles in allem ist "Cold Mountain" ein durchaus sehenswerter Film. Nicht sonderlich überraschend und kein Ersatz für Geschichtsunterricht, aber dafür sehr tragisch und kitschfrei (abgesehen von der letzten Filmminute). Und das ohne zu großen Pathos und ekelerregenden Patriotismus. Siehste Roland Emmerich, so was geht eben auch! 2-

Eigentlich ist es ja ein alter Hut: Irgendwann Mitte der 90er Jahre kam man in Hollywood auf die Idee alte Serienschlager aus den 70er und 80er Jahren im Kino neu aufzulegen. Was mit Filmen wie „Addams Family“, „Auf der Flucht“ und „Mission Impossible“ denn auch äußerst gewinnbringend funktionierte. Das Prinzip war ja denkbar einfach: Der Zuschauer kennt die Helden der Filme schon lange von den zahlreichen Wiederholungen aus dem Flimmerkasten, bevor er sie zum ersten Mal im Kinosaal sieht. Er weiß um ihre Marotten, ihre Eigenheiten, ihre Feinde, ihre Vorlieben. Da spielt es dann auch keine Rolle mehr, ob statt Farrah Fawcett, Kate Jackson und Jacklyn Smith nun plötzlich Drew Barrymore, Lucy Liu und Cameron Diaz die Verbrecher das Fürchten lernen. Mit flottem Soundtrack, aufwendigen Actionszenen und der obligatorischen Prise Ironie im Gepäck sprach man nicht nur TV-Nostalgikern an sondern erschloss sich auch die kaufkräftige Zielgruppe der hippen Teens und Twens.
Natürlich ist das Arsenal an alten Serienschlagern, die sich für die Zweitverwertung anbieten, nicht unendlich, und garantiertes Kassengold gibt es schon mal gar nicht. So reihten sich in der jüngsten Vergangenheit auch immer mehr kapitale Flops in die Filme des „Genres“ ein: Egal ob „Mit Schirm, Charme und Melone“, "The Mod Squad“, oder „Mit Tennisschlägern und Kanonen“ („I Spy“)... so einfach funktionierte es dann halt doch nicht. Dessen war sich wohl auch Todd Phillips bewusst. Der junge Regisseur, dessen zwei Filme „Road Trip“ und „Old School“ eindeutig zu den witzigeren Komödien der letzten Jahre zählen, hat es sich deshalb mit der Neu-Adaption der populären 70er Jahre Copserie „Starsky und Hutch“ auch etwas leichter gemacht: Statt auf aufwendige Verfolgungsjagden, teure Spezialeffekte und hippen Soundtrack, setzt Phillips auf komödiantische Elemente. Eine naheliegende Entscheidung: Hat er doch mit Ben Stiller und Owen Wilson zwei eingespielte Hauptdarsteller und gute Komödianten vor der Linse („Meet the Parents“, "Royal Tenenbaums", „Zoolander“). Gelungen auch die Entscheidung, die Story des ungleichen Cop-Gespanns nicht krampfhaft in unsere Zeit zu transportieren, sondern sie, dem Original entsprechend, in den tiefsten 70ern anzusiedeln (inklusive Klamottenverbrechen, Frisurkatastrophen und aufgemotzten Autos).

Resultat: Eine humorvolle Hommage an die 70er und eine Komödie, die der Vorlage den nötigen Respekt zollt, sie aber auch zeitgleich auf den Arm nimmt. Näher auf den Plot einzugehen erübrigt sich eigentlich: Starsky (Ben Stiller), ein korrekter Trottel, und Hutch (Owen Wilson), ein stoischer Faulpelz, müssen wider Willen ein Ermittlerteam bilden. Gleich beim ersten gemeinsamen Einsatz fischen sie die Leiche eines Kokainhändlers aus dem Meer. Die Spur führt zum Drogendealer Reese Feldman (Vince Vaughn), der in einem groß angelegten Geschäft die Polizeihund-resistente-Superdroge New Coke auf den Markt bringen will. Starsky, Hutch und ihr dauerbekiffter Ultra-Zuhälter-Kumpel Huggy Bear (Snoop Dogg) legen ihm das Handwerk. Bis dieser aber dingfest gemacht wird, muss sich das ungleiche Team mit messerwerfenden Killer-Kindern, einem stilechten Disco-Kampf, einer Easy Rider-Rocker-Gang und einigen halb- bis ganz nackten Cheerleadern rumschlagen. Klingt blöd? Ist es auch. Dessen sind sich Regisseur und Hauptdarsteller aber in jeder Sekunde bewusst. Hier wird Albernheit in Reinform zelebriert, ohne sich jedoch jemals völlig darin zu verlieren.

Kurzum: Leichte, unbeschwerte Unterhaltung mit zündenden Gags und einem wunderbaren Komiker-Duo. Nicht mehr, aber in jedem Fall auch nicht weniger. 2

(js 4/04) Wenn's in der Hölle zu eng wird, dann irren die Toten eben auf der Erde herum. Logisch. So dachte sich in den 70er Jahren Splatterfilm-Ikone George A. Romero und ließ seine Zombies über den Erdboden wanken und von blindem Blutdurst geleitet die Lebenden in Untote verwandeln. Das war vor fast 30 Jahren.

Jetzt hat der Zombiefilm, wie fast schon jedes Genre, eine kleine Wiederauferstehung erlebt und schon richtige Knaller hervorgebracht ("28 Days Later", auch wenn's da keine echten Zombies waren). Regisseur Zack Snyder hat sich gar nicht erst die Mühe gemacht, eine eigene Story zu entwickeln. Er nahm sich einfach einen Romero-Zombie-Schocker und inszenierte ein Remake. Das Original habe ich nicht gesehen, ob "Dawn of the Dead" also als Neuverfilmung gelungen ist, kann ich nicht beurteilen.

Als Zombiefilm funktioniert er allerdings sehr gut. Die blonde Protagonistin ist Krankenschwester. Morgens wacht sie noch in einem Familienidyll auf, das jedoch nach zwei Filmminuten jäh zerstört wird. Die eigentlich so brave kleine Tochter wankt als Untote ins elterliche Schlafzimmer und beißt Papi gezielt in die Halsschlagader. Der stirbt und wird sogleich ein Zombie, der auf die Mutter losgeht. Die flüchtet und findet sich draußen in einer Welt wieder, in der mehr Zombies als Normalos herum streunern. Willkommen in der Welt der (Un-)Toten.

Was jetzt kommt, ist zum einen klar und zum anderen nicht sonderlich originell. Die Überlebende trifft auf eine Gruppe weiterer (Noch-)Menschen, verschanzt sich mit ihnen in einer großen Mall und versucht zu überleben. Über die nächsten anderthalb Stunden rollen Köpfe, zerbersten Schädel, fliegen die Fetzen. Zombiegrusel pur. Die Schockeffekte funktionieren allesamt und machen die Dämmerung der Toten zu einem amüsant-ekligen Horrorspektakel. Mehr ist Zack Snyder allerdings nicht gelungen. An die Klasse von Danny Boyles "28 Days Later" kommt er nicht mal in Ansätzen heran. Hier fehlt es einfach an einem einigermaßen intelligenten Drehbuch, das hinter dem Splatterfaktor noch ein wenig erzählen möchte. "Dawn of the Dead" hat das nicht, manche seiner Figuren nerven (etwa der Wachtrupp der Mall), und am Ende ist so wie so alles für die Katz. Aber angucken kann man sich das Blutbad durchaus... 3